domingo, 29 de diciembre de 2013

Hilario Durán-Francisco's Song



Después de estudiar música en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana en 1981 , Hilario unió al grupo de Arturo Sandoval , donde permaneció hasta 1990 . Durante este tiempo se desempeñó como pianista de jazz en los principales festivales de jazz de todo el mundo, compartiendo escenario con músicos tan destacados como Dizzy Gillespie , Herbie Hancock, Michel Legrand, Wynton Marsalis y muchos otros. Hilario ha trabajado como arreglista , productor y pianista en muchas grabaciones con una variedad de artistas en Cuba y en el extranjero . Cuando Arturo Sandoval se fue de Cuba , Hilario comenzó su propio grupo y verdaderamente entró en la suya propia. En 1991 se incorporó a Gonzalo Rubalcaba y Frank Emilio en Juno Award de Jane Bunnett ganadora CD " Spirits of Havana " .

"Me gustaría dar las gracias a Jane Bunnett y Larry Cramer por el gran apoyo que yo y toda su ayuda dieron en hacer mi disco posible.
Mi agradecimiento a Jim West por confiar en mí para llevar a cabo en este proyecto .

Gracias a Sarah Bunnett - Gibson por su paciencia y dedicación , a Thompson Highway por dejarme usar su propio piano generosamente , a Chucho Valdés por el apoyo y ayuda durante toda mi carrera profesional . También gracias a Alain Caron para ofrecer todo su talento en este disco, a Sonny Greenwich por la posibilidad de trabajar juntos, y para Denis Cadieux y Ian Terry por sus grandes orejas.

Dedico este disco a la memoria de Emiliano Salvador y todos los pianistas en Cuba , y para todos los músicos cubanos para seguir manteniendo sus raíces en todo el mundo"._Hilario Durán


Pianista cubano Hilario Durán era una presencia dinámica en los "Spirits of Havana", de Jane Bunnett especialmente en la canción "Yo Siempre Oddara." Bunnett devuelve el favor aquí, tocando el saxo alto y flauta en cinco de las trece selecciones. Los otros directores son Alain Caron, bajo, y Sonny Greenwich, guitarra. Duran toca el piano como solista en "Suavecito", "Medley Matamoros", "Conqueta Conquin" y "Lush Life". Dos números, "Francisco's Song", y "Hot House" emplean el cuarteto completo. Las canciones restantes ofrecen diversas configuraciones de piano, guitarra y bajo. Duran compuso siete canciones, entre ellas "Por Emiliano", su homenaje al fallecido pianista cubano Emiliano Salvador. Las normas son la ya mencionada "Hot House", "Lush Life" y "Giant Steps". Su lectura de "Lush Life" es Tatumesque, lleno de trinos y carreras. Juego de Durán se basa en sus tradiciones nativas cubanas y tiene un fuerte componente clásico. Él tiene un tono líquido y su virtuosismo se pone en pleno juego en estos exploratorios, selecciones rumiativos.

Más información relacionada





Hilario Durán-Francisco's Song (1996)

Temas:
01. Francisco's Song 
02. Medley Matamoros 
03. Lush Life 
04. For Emiliano (In Memory Of Emiliano Salvador) 
05. Esto Sí Tiene Que Ver (You Must See This) 
06. Giant Steps 
07. Confesión 
08. Tiembla Tierra 
09. Suavecito 
10. Conqueta Conquín (In Memory Of Evaristo Aparicio) 
11. Days Dreams 
12. Esperando La Carroza (Waiting For The Float) 
13. Hot House 

Musicos:
Hilario Durán - piano
Jane Bunnett - flute (tracks 1 and 5) and soprano saxophone (tracks 4, 12 and 13)
Alain Caron - bass (tracks 1, 6, 8, 11 and 13)
Sonny Greenwich - guitar (tracks 1, 7, 11 and 

sábado, 28 de diciembre de 2013

Jorge Santana



El más joven de tres hermanos , Jorge Santana tuvo su mayor éxito musical como el líder de una banda de rock latino de principios de los años 70 , Malo. Su álbum debut homónimo , lanzado en 1972 , incluyó el hit Top Twenty " Suavecito ". Inicialmente atraídos por el blues, Santana comenzó a tocar la guitarra poco después de mudarse , junto a su familia , a San Francisco a principios de los años 60. 
Después de tocar con una banda de cuatro piezas azules de la escuela secundaria , fue invitado a unirse a los Malibus , un popular banda de nueve músicos de blues conocido por sus arreglos de vientos impulsados ??. La banda, que se convirtió en Malo, en 1971 , contó con el tecladista Kozmic Blues Band del ex Janis Joplin Richard Kermode y trompetista / flügelhorn Luis Garca . Después de grabar el último álbum de Malo, la Ascensión, en 1974, Santana realizó , en el Madison Square Garden de Nueva York, como invitado especial de la Fania All -Stars . 
La actuación marcó su última aparición en público durante tres años como Santana se retiró a su casa de Mill Valley, donde se hizo poco , pero comer , dormir y tocar la guitarra . A pesar de que lanzó dos álbumes en solitario - Jorge Santana y está todo sobre amor - ni bien vendido. Planificación para tomar un año sabático de la música, en 1982, Santana se mantuvo fuera de la vista del público durante siete años. 
El regreso de Santana a la música fue provocado por una invitación para unirse a su hermano, la sociedad gestora de Carlos como director de las relaciones de los artistas. Además de trabajar en la producción, espacios de música y la edición, él viajó con el grupo de su hermano. En 1994 , los dos hermanos colaboraron en un álbum, Brothers._Craig Harris





Jorge Santana-Jorge Santana (2000)

Temas:
01.Sandy
02.Tonight Your Mine
03.Darling I Love You 
04.We Were There 
05.Love You, Love You 
06.Love The Way 
07.Oh! Tengo Suerte 
08.Nobody's Perfect 
09.Darling I Love You (Dance Mix) 
10.Sandy (Dance Mix) 

Musicos:
Jorge Santana: Guitars, vocals 
Richard Bean: Guitars, vocals 
Carlos Roberto: Bass guitar, backing vocals 
Kincaid Miller: keyboards, electric piano, Hammond organ 
Jerry Marshall: Drums, Percussion 
Yogi Newman: Percussion 

jueves, 26 de diciembre de 2013

Florida Chamber Orchestra & Marlene Urbay-Échale Salsita (2005)




La Orquesta de Cámara de la Florida ( FCO ) fue fundada por el Maestro Marlene Urbay en 1995. Su repertorio cuenta desde el barroco y los clásicos, a Gershwin, Lecuona y los compositores más representativos de América Latina y Europa, incluyendo compositores contemporáneos .

Función inaugural del FCO en enero de 1996 presentó la música de cámara clásica a un público de 200 personas en el Colonnade Hotel. Después de que las otras presentaciones que incluyen "Magia Strings" ( 1999), " Concierto Barroco " ( 1997 ), el " Concierto de Opera Pequeño " ( 1997 ), y " Homenaje a García Lorca " ( 1998), " Clásicos cubanos famosos " ( 1999 ), entre otros , se llevaron a cabo para el público que aumenta en número y en lugares más grandes , como Gusman Performing Hall en UM , FIU Concert Hall, Gusman Performing Salón de la ciudad, y el condado de Dade Auditorium.

La Orquesta de Cámara de la Florida está en residencia en el teatro de Roca. En su propósito de llegar a la población multiétnica del sur de la Florida , el FCO presentó los programas de la música francesa para el Día de la Bastilla ( 1996 ) , el repertorio tradicional español , en colaboración con la Compañía Flamenca de Angela Rea Dancing ( 1997-98-99 ), la producción argentina de tango argentino con grabación el cantante Daniel Bouchet y músicos invitados argentinos ( 1998-1999 ) , el afroamericano con el Dr. Lonnie Smith y Latin Jazz con el grupo Hot Club EE.UU. ( 1998 , 99) la música cubana con cantantes populares Albita Rodríguez, Luis Bofill , Maggie Carles , Malena Burke y Lucrecia ( 1999,2001,2002 ) folklore afrocubano con la compañía de danza Ife -Ile ( 1996 ) , la música clásica cubana con famosos cantantes de ópera y solista y conciertos infantiles especialmente diseñados para el público joven FCO ha participado en festivales de la comunidad tales como el Centenario de Miami en el Bayfront Park ( 1996 ) , Festival de Conchita Espinosa Academy en Dade County Auditorium (1997, 1999 ) , el Carnaval de la Calle Ocho en la Columnata del hotel y los domingos en la Milla (1999-2000 ) . Cuba Nostalgia en el Centro de Convenciones -Coconut Grove ( 2000 ) .

FCO ha contribuido a la comunidad a través de conciertos benéficos para las organizaciones tales como GRASP - Guantánamo Refugee Relief- ( 1996), la Fundación Make a Wish ( 1997 ), la Asociación de Constructores Latinos (1998-1999 ) , la ciudad de Miami 108 Celebración de cumpleaños y Voces para la Fundación Niños entre otros 2002 . FCO ha colaborado con Rosario Suárez Ballet (2000, 2002 , 2003 y 2004 ) e hizo el estreno con éxito del Ballet " Cecilia Valdés " , presentado por la Universidad de Miami.

FCO gira por todo el Estado español una producción llamada Extravaganza , Tango Fiebre, Latin Fire , y Visión de Amor por la Agencia Kaduri Arie . Todas estas presentaciones fueron muy exitosos y ampliamente ampliaron la exposición orquestas. FCO primer CD " Recuerdos de Cuba " fue grabado bajo el sello Sony en febrero de 2000 , " Échale Salsita " , de 2005, bajo Seyer Registros y el último es " Cantares " (música de Navidad Latinoamericana ) bajo Seyer registros también.

Orquesta de Cámara de la Florida tiene como objetivo hacer clásico y clásico influencia de música accesible a todos los miembros de la comunidad del sur de Florida . Representando el Caribe América Latina , Europa y Estados Unidos, FCO forja diversa herencia musical de Miami en un sonido único de la Florida. Programas FCO combinan popular, folklórica y selecciones clásicas , en un esfuerzo para educar a todos los sectores de la audiencia sobre la otra. Apelando a una variedad de audiencias FCO se esfuerza por promover una identidad común para el sur de la Florida que habla el lenguaje de la música. En la enseñanza de esta lengua, FCO tiene un interés especial en el cultivo si los jóvenes artistas y el público .


La misión del FCO es unificar , entretener y educar a las audiencias de diferentes culturas a través del lenguaje universal de la música que trasciende todo tipo de fronteras y creó su propio territorio ambiental estético.





Termas:
01.Lindas Cubanas (A. Romeu)
02.Una Rosa de Francia (R. Pratts)
03.Cicuta Tibia (E. Duarte)
04.Y tú que has Hecho (E. Delfin)
05.El Cadete Constitucional (J. Rubalcaba)
06.Ausencia (J. Prats)
07.La Engañadora/ El Bodeguero (R. Egües / E. Jorrín)
08.Lágrimas Negras (M. Matamoros)
09.Añorado Encuentro (Piloto y Vera)
10.Almendra (A. Valdés)
11.Échale Salsita (I.Piñeiro/G.Gershwin)

martes, 24 de diciembre de 2013

José María Vitier – Punto de Giro



José María Vitier García-Marruz. Compositor, pianista y músico cubano. Su trabajo recoge un amplio espectro, pues ha escrito música para diferentes medios como televisión, teatro, cine y radio. Formó parte del Grupo Síntesis en sus inicios. Muchas de sus composiciones están basadas en canciones populares o en versos de notables poetas.

Nace en La Habana, el 7 de enero de 1954.Hijo de los destacados poetas Cintio Vitier y Fina García Marruz.
Estudios

Inició sus estudios de piano en 1962 con Cecilia Echevarría, los continuó en 1965 con Margot Rojas, entre 1968 y 1975, fue alumno del Conservatorio Amadeo Roldán, donde tuvo como maestro a César López. Este último año se traslada a Matanzas para trabajar como profesor de la Escuela Provincial de Música. En 1977 ingresó como pianista y compositor al Grupo Síntesis, a la vez fue profesor de la Escuela Nacional de Arte; en 1979 viaja a Bulgaria para participar, como pianista acompañante de la violinista Rosa María Estrada, en el Festival Bandera por la Paz; en 1983 fundó y dirigió su propio grupo, integrado por José María Vitier, director y pianista; Lázaro González, violín y teclados; Nicolás Sirgado, bajo eléctrico y guitarra y Miguel A. Rodríguez, Eugenio Osorio y Antonio Carreras, percusión.
Trayectoria

En 1984 viaja a la RDA para participar en el Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes; en 1986 compone el tema que identifica al Festival del Nuevo Cine Latinoamericano; participa en el Festival Latino de Nueva York; realiza una gira por México, y allí se presenta en el teatro Ollin Yolixtli, de Ciudad México, y además actuó en Mexicali, Guadalajara y Guanajuato; ese mismo año, en una segunda gira a ese país, participó en el Festival Cervantino; en 1987 viaja con su grupo a Indianápolis, Estados Unidos, y se presentó en Jazz-Plaza ´87 y en el Festival Internacional de Varadero; en 1988 participa por segunda vez en el Festival Cervantino, México, y recibe el premio Ocella a la mejor música de un filme: Un señor muy viejo con unas alas enormes, en el Festival Internacional de Cine de Venecia; en 1990 viaja con su grupo a Venezuela para presentarse en el Festival Internacional de Cine de Mérida; en 1991 actuó con su grupo en los festivales de jazz de Montreal y Toronto, Canadá; va a París con su grupo, donde participó en el Festival de Cultura Afro-caribeña, fue su última actuación con su grupo, y se dedica a trabajar como solista. En 1992 recibió el premio Coral por la música del filme venezolano-español Mascaró, el cazador americano. En 1993 viaja a Canadá, donde ofrece conciertos con su música para piano, acompañado por la saxofonista canadiense Jane Bunnet, el contrabajista Carlos del Puerto, hijo y el pianista Frank Emilio, con los que actuó en el Glenn Gould Theatre de Toronto; posteriormente se traslada a México para participar en el Festival Cervantino, con la cantante Miriam Ramos y Carlos del Puerto . En 1994 viaja a España con Pablo Milanés; ese mismo año recibió el premio Pananbí, por la música del filme Fresa y chocolate, en el V Festival de Asunción, Paraguay; este filme fue nominado para el premio Oscar. En 1995 fue jurado del Segundo Concurso Internacional de Piano celebrado en Ciudad Juárez, México.

Como compositor, su obra se caracteriza por su lirismo, y en ella se nota la influencia del rock, el jazz y la trova, así como una asimilación creadora de la tradición clásica europea. Podría decirse que su música tiene la particularidad de resumir las sonoridades que nos resultan más cercanas y atractivas de los diferentes géneros musicales de que se nutre; se trata, quizás, de una expresión nueva de la música popular cubana. Fue nominado al Premio Grammy por Salmo de las Américas, como mejor álbum de música clásica 2000, y en el Cubadisco, con Canciones del buen amor, premio en compilación 2002...Seguir leyendo

Más información relacionada





José María Vitier – Punto de Giro (2006)

Temas:
01.Dime Sí
02.Barrock
03.Silvia Lejos
04.Samba al Sur
05.Tres Encuentros
06.Diálogos
07.En La Vía
08.Canción Antigua
09.Rondó

lunes, 23 de diciembre de 2013

Chico O'Farrill & El Arabe-EL Hechizo Rítmico



Chico O’Farrill fue compositor y trompetista. Fundador del grupo Los Beboppers, primer grupo de Bop cubano. Trabajó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie, Quincy Jones, Charlie Parker, Frank Sinatra, Benny Goodman, La Lupe, Count Basie, Gato Barbieri, entre otros muchos.

Arturo O’Farrill o como más se le conoce Chico O’Farrill nació en La Habana un 28 de octubre de 1921. Estudió armonía y composición con el compositor y director de orquesta Félix Guerrero, posteriormente, en Nueva York, fue discípulo de armonía de Bernard Wagennar, Stephan Wolpe y Hal Overton.
Inicios

En 1943 trabajó en el cabaret Montmartre con la orquesta del pianista y compositor René Touzet, y posteriormente con la orquesta Bellamar, dirigida por Armando Romeu, e integrada, entre otros, por Luis y Pucho Escalante, Gustavo Mas y Mario Romeu.

En 1944 viaja a México, y allí forma parte, como trompetista, de la orquesta del compositor mexicano Luis Arcaraz; después, formará su propia banda, con Raúl Stallworth, piano; Chilo Morán, Mario Contreras, Víctor Guzmán, César Molina y Rafael Jaimes (El Chino), trompeta; Tommy Rodríguez y Héctor Halal (El Árabe), saxofón; Leo Carrillo, contrabajo; Luis Vargas, batería; Roberto Namorado, tumbadora; Julio Vera, bongó. De regreso a La Habana, integra la orquesta del cabaret Tropicana. También hizo orquestaciones para la Orquesta Riverside, el pianista y compositor Ignacio Villa (Bola de Nieve) y para el cuarteto D’Aida.
Trayectoria

En 1945 creó Los Raqueteros del Swing, siendo él director y trompeta; Roberto Sánchez Ferrer, clarinete; José Álvarez, piano; Rafael Mola, guitarra; Fausto García Rivera, drums, y Ana Menéndez, cantante.

Posteriormente fundó Los Beboppers, primer grupo de bop cubano, que se presentó en el Hotel Saratoga, integrado por Chico O’Farrill, director y trompeta; Edilberto Escrich (Eddy), saxofón alto; Gustavo Mas, saxofón tenor; Mario Romeu y René Urbino alternan en el piano; Kiki Hernández, contrabajo, y Daniel Pérez, batería. Con él grabaron (aunque no comercialmente), Bebo Valdés, pianista, y Guillermo Barreto, baterista.

Viaja a Europa con la orquesta Havana Cuban Boys, dirigida por el pianista Armando Oréfiche, con la que realiza una gira que comprende Bruselas, Milán, Estocolmo y París.

En 1947 dirige y hace las orquestaciones de la jazz-band del guitarrista Isidro Pérez (Isito), que actuó en el Cabaret Montmartre, y que integraban, entre otros, Mario Romeu, piano; Machado, batería; Pucho Escalante, trombón; Chombo Silva, saxofón tenor; Rafael Mola, guitarra, y Kike Hernández, contrabajo. Ese mismo año se radicó en Nueva York, y realizó una gira con su propia orquesta, integrada por Mario Bauzá, Doug Mettome, Jimmy Nottingham, Eddie Bert, Fred Zito, Lenny Hambro y Flip Phillips, con la sección rítmica de la orquesta de Machito, René Hernández, Bobby Rodríguez, Ubaldo Nieto, Luis Miranda y José Mangual.

En 1953 viaja a California, donde funda una orquesta con el saxofonista Eddie Wasserman, con la que debuta en el Sombrero Ballroom de Los Ángeles, y en las que utiliza arpa y oboe. En este período compone Manteca suite, que graba en 1954 con la participación de Dizzy Gillespie, Ernie Royal, Quincy Jones, J. J. Jonson, Lucky Thompson, Charli Persia, José Mangual, Ubaldo Nieto, Ramón Santamaría (Mongo) y Cándido Camero.

En 1955, después de una breve estancia en La Habana, se instaló en México, donde dirigió la orquesta que acompañó a los cantantes Andy Rusell, Chris Conor, Johnny Mathis, Emilia Conde y Frank Sinatra.

En Estados Unidos, grabó con Frank Dávila, Harry Edison, Roy Eldridge, Al Porcino, Bobby Woodlen, Al Stewart, Nick Travis, Charlie Parker, Charlie Kennedy, Sol Rabinowitz, Pete Mondillo, Ralph Burns, Roberto Rodríguez, Ray Brown, Don Bagley, Billy Bauer, Buddy Rich y Don Lamond, y fue arreglista de la orquesta de Benny Goodman, para quien compuso Undercurrent Blues; con Goodman en Los Ángeles, California, conoció al compositor ruso Igor Stravinsky, de quien dijo O’Farrill: «Una de mis mayores influencias fue Stravinsky y sus composiciones Petrushka y La consagración de la primavera.»

Bajo esta influencia compone The Afro-Cuban Jazz SuiteI (1950), en cinco movimientos: «Canción», «Mambo», «6/8», «Jazz» y «Rumba abierta». Esta obra, según Luc Delannoy: «comienza y termina con un hipnótico dúo de flauta y de conga que refleja la esencia misma del tratamiento cubano de la unión de los universos musicales, el europeo (la flauta) y el africano (la conga). A esos dos instrumentos se les une entonces el oboe, seguido de las trompetas, de los saxofones y del tumbao del contrabajo.

Tras un retorno al swing y al bebop en el cuarto movimiento, O’Farrill nos lleva a los orígenes del jazz latino con una melodía de claros acentos árabes, antes de volver a hundirse en el universo de las percusiones afrocubanas». Y para Benny Carter: «Por razón de la coherencia de las partes rítmicas y de sus relaciones con los solos que, a su vez, tienen su propia vida e independencia, esta suite es la obra maestra de un genio.»

Fue orquestador de las bandas de Benny Goodman, Machito and his Afro-Cubans —con la que graba en 1950 su The Afro-Cuban Jazz Suite I, en la que actuaron como solistas Charlie Parker, Flip Phillips y Buddy Rich—, Dizzy Gillespie, Clark Terry, Mario Bauzá, Art Farmer, Wynton Marsalis, Stan Kenton, Carl Tjader, Clark Terry, Count Basie, Guadalupe Victoria Yolí (La Lupe), Gato Barbieri, Ringo Star y David Bowie. Fue director de la orquesta de Aldemaro Romero. Incursionó en el rock con David Bowie. En 1965 regresó a Nueva York.

En 1975 ofrece con la orquesta Afro-Cubans, al frente de la cual se encontraba Mario Bauzá, un concierto en la catedral de Saint Patrick, Nueva York, en el que actuaron Alberto Socarrás, flautista; Marco Rizo, pianista, y Xiomara Alfaro, cantante. En 1976 fue seleccionada para el Premio Grammy su Three Afro Cuban Jazz Moods.

El productor Todd Barakin le grabó el disco Pure Emotion, con el que ganó en 1995 una nominación para el Grammy. En 1996 realizó una gira con su orquesta por Europa.

Fallece en Nueva York el 29 de junio de 2001._ecured.cu

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Chico O'Farrill & El Arabe-EL Hechizo Rítmico (2012)

Temas:
01.Granada
02.Stella By Starlight (Estrella en las Estrellas)
03.Dream (Sueño)
04.Undecided (Indeciso)
05.How Long Has This Been Goin' On
06.Jungle Moon (Luna de la Selva) 
07.Alrededor del Mundo
08.Ellos No Me Creyeron
09.Tuya Soy
10.No Lo Diré Yo
11.Drume Negrita
12.Jungle Drums

domingo, 22 de diciembre de 2013

Septeto Santiaguero – Para Los Bailadores - En Directo desde Galapagar




El Septeto Santiaguero se fundó el 2 de febrero de 1995, consecuencia directa de Melodías de Ayer, añeja formación que desde 1962 estuvo profundamente ligada a la tradición santiaguera y a la Casa de la Trova.
Fernando Dewar,último director de Melodías de Ayer, se decidió, con muchos de sus integrantes, a mirar la tradición desde la contemporaneidad con el formato de Septeto.  Santiago de Cuba es la cuna de toda la música tradicional cubana, y en esos predios musicales el Santiaguero ha constituido, desde el mismo momento de su fundación, todo un suceso, gracias a un estilo cautivador, potente sonoridad, ritmo certero y una proyección heterogénea que posibilita satisfacer a públicos de diferentes composiciones e intereses.  
El directo del Septeto es fabuloso. En cada actuación, sus integrantes hacen gala de una calidad a prueba de subjetividades. Sus entregas, aún defendiendo la cubaní­a a ultranza, son sobre la base del respeto al buen gusto universal.
El repertorio es un recorrido por diferentes vertientes de la música popular cubana, con énfasis en lo tradicional. Se trabajan, desde un sentido bien personal, obras de autores clásicos de la música cubana,  y otras autores cubanos contemporáneos, entre los que destacan varios integrantes del propio Septeto Santiaguero. Son, guaracha, bolero, trova, changui­, bolero-son, nengón, descarga y danzón conforman la base de los géneros.  
La agrupación se ha presentado en países de Europa, América y Africa. Ha actuado en recintos de prestigio  como el club New Morning, Bataclan, Clamores Jazz, la Opera de Frankfurt, Teatro López de Ayala, Porgy & Bess, Cinema Paradiso; así como en importantes eventos tanto fuera como dentro del Ámbito estrictamente musical:La Fiesta de los Sanfermines en Pamplona, el Festival de Getxo, Expo 2000 de Hannover, Festival Jazz Rally de Dusseldorf, World Music Festival de Colonia, Festival de Documentales de Biarritz, Mostra de Venecia, Festival Mundo Latino de Benicassim, Semana Negra de Gijón, Expo Barcelona y Festival La Mar de Músicas de Cartagena.  
Las diferentes Casas de la Música de la EGREM, el Teatro Nacional, el Teatro Heredia, la Casa de la Trova Miguel Matamoros y el Salón Rosado de la Tropical, han visto las actuaciones del Septeto Santiaguero, participante habitual de las diferentes ediciones del Festival MatamorSon, del CUBADISCO, el Carnaval Santiaguero y el Festival de la Trova Pepe Sánchez.
En 2010 se estrenó el largometraje documental Los reyes del son (Positivation Films,USA) en el que el Septeto Santiaguero comparte el protagonismo con figuras cimeras de la música cubana como Roberto Nápoles y Reynaldo Creagh. Antes, en 2009, estos músicos santiagueros participaron con un performance del tema Los recuerdos del ayer, en la película inglesa El día de las flores, dirigida por John Roberts.  El video clip del tema Los mangos bajitos estuvo nominado en el 2008 como Mejor Video Clip de Música Tradicional Cubana en los Premios Lucas, concurso anual al estilo MTV Latino, en el que compiten cada año los mejores videos musicales cubanos. Los clips de los temas Oye mi tono y Esa niña, que cintura estuvieron prenominados al Grammy Latino, en la categoría de Mejor Video Musical Versión Corta en 2011.
En este último certamen se ha destacado el Santiaguero, pues sus dos más recientes producciones discográficas, Oye mi son santiaguero y Vamos pa´la fiesta, ambas por cuenta de PICAP Records, han estado nominadas al Grammy Latino 2011 y 2013, respectivamente)en la categorí­a de Mejor Álbum de Música Tropical Tradicional.   
En Santiago de Cuba es fácil encontrar al Septeto. Sus presentaciones habituales en la Casa de la Trova y en la Casa de la Música son las más concurridas._ septetosantiaguero





Septeto Santiaguero – Para Los Bailadores - En Directo desde Galapagar (2002)

Temas:
CD.1:
01.Santiaguero soy 
02.La wemba de Marilú 
03.No pare los pies 
04.El ayudante del lechero 
05.Tu cosita, Caridad 
06.Miradas hechiceras 
07.Con ciertos personajes 
08.La bomba lacrimosa 
09.Arroz con palitos 
10.La pulidora 

Cd.2:
01.El guaguancó es más sabroso 
02.A ritmo de bongó 
03.El catador 
04.Es niña ¡qué cintura! 
05.De la cabeza a los pies 
06.!Quien pudiera vivir sin las mujeres! 
07.La jelenguera 
08.Guaracha 
09.Santiaguero soy 

viernes, 20 de diciembre de 2013

George Shearing Quintet-Christmas With the George Shearing Quintet



Revise Redux . Sólo estaba dando los toques finales a mi revisión enero de Navidad con The George Shearing Quintet cuando leí las críticas diciembre y descubrí que mi colega Douglas Payne ya había cubierto la tierra. Yo pensé: "Caramba, no echaba de menos una alusión estilística o de composición que he oído" (con la excepción de la cita de esquila de "Boplicity" en "Let it Snow, Let it Snow, Let it Snow"). Yo no voy a cubrir de tierra del Sr. Payne, que hizo un mejor trabajo que pude. Sin embargo, voy a compartir un recuerdo.
Boy Meets Jazz . En 1973, mientras que en la escuela secundaria, un amigo mío me prestó dos cintas de casete, The Oscar Peterson Trio El Trío y George Shearing , George Shearing y los hermanos Montgomery . Estas grabaciones fueron mi primera exposición real a Jazz. Los usé ambos fuera. Pero, donde compré más Oscar Peterson, permití George Shearing para ir en barbecho. Es decir, hasta 1998, y que nunca olvidaron que Shearing sonido .

Jazz Holiday . 1995 vio el lanzamiento de la colección de cancioncillas de Navidad en Telarc Jazz Oscar Peterson Oscar Peterson Una Navidad (CD-83372). Telarc Jazz continúa su despliegue de Jazz villancicos con el lanzamiento de la Navidad con The George Shearing Quintet . ¿Qué tanto de estos discos tienen en común es que suenan canciones de temporada interpretadas por los intérpretes, es decir, los dos de su sello indeleble en las viejas canciones. El disco Shearing era inmediatamente reconocible a mí con su sonido quinteto marca el acoplamiento de la guitarra y vibráfono. Escuchando se sentía como volver a casa.


El Señor de Jazz . George Shearing es un músico caballeroso y cortés con una mente enciclopédica y un buen corazón sensible. Todo esto se expresa en su comunicado del día de fiesta. He encontrado unos discos de jazz de vacaciones que han trabajado para mí, pero el señor Shearing de capta inmediatamente el calor de un fuego de leña con las heladas en las ventanas y la nieve en el patio. "Anillo de cascabeles estás escuchando..."._C. Michael Bailey




George Shearing Quintet-Christmas With the George Shearing Quintet (1999)

Temas:
01.Ding Dong! Merrily on High
02.White Christmas
03.Winter Wonderland
04.The Christmas Waltz
05.Have Yourself a Merry Christmas
06.Noel nouvelet
07.Donkey Carol
08.I"llbe Home for Christmas
09.Snowfall
10.Let it Snow!
11.The Christmas Song
12.God Rest ?? Merry 
13.Balulalow 
14.Away in a Manger 
15.It's Christmas Time

Musicos:
George Shearing: piano y voz
Reg Schwager: Guitarra
Don Thompson: Vibráfono
Neil Swainson: Bajo
Dennis Mackrel: Drums

jueves, 19 de diciembre de 2013

Rumbo A La Rumba Vol. 13



Para todos los apasionados de la salsa, el latin jazz y los sonidos del Caribe compartimos el Podcast Rumbo a la Rumba, un magazín especial para los amantes de la música afrocaribeña hecho entre Colombia y Venezuela. Disfruta con nosotros de este mágico recorrido a través del caribe y su sabor! Lo pueden escuchar aquí y recomendarlo a su red de contactos. Este es un producto sin animo de lucro, lo hacemos por amor al genero Salsa y la musica latina!_ Ricardo Mendivil 

Un episodio especial dedicado a despedir con la mejor salsa el 2013 y recordando además de las ya habituales canciones de la música salsa, las piezas de este género que evocan la temporada navideña. En este podcast nos acompaña el Grupo Niche, Richie Ray & Bobby Cruz, Oscar de Leon & Dimensión Latina, Ray Barreto & Tito Allen, El Gran Combo de Puerto Rico, Willie Colón y Hector Lavoe. ¡Desde Colombia y Venezuela... Rumbo a la Rumba!

miércoles, 18 de diciembre de 2013

Wendell Rivera – Wendell Rivera's Latin Jazz Ensemble


 

Wendell Rivera es un galardonado percusionista y un Salón de la Fama de Música Buffalo que creció absorbiendo los sonidos que emanaban en y alrededor de Ponce , Puerto Rico. Rivera ha realizado la música latina y el jazz en los Estados Unidos , Canadá y las Islas del Caribe .

Su primer vínculo con la música de la isla era su abuelo, un intérprete de la música tradicional de la isla , la " Bomba y Plena ". Sus habilidades autodidactas y habilidades naturales en el tambor conga rápidamente trajo el calibre de su forma de tocar a a nivel profesional. Juego de Rivera llamó a los oídos de algunos de los profesores titulares de la Música Latina : Tito Gómez, Joe Rodríguez " La Terrifica " , y Josie León , escritor / compositor y ex cantante de La Orquesta Solucion . Más tarde se matriculó en jugar profesionalmente con los tres, un comienzo auspicioso , que marcó la pauta para su más de 20 años de carrera .

Como percusionista , ha realizar con artistas tan diversos como Aretha Franklin, Ben Vereen , Dave Valentin , Bob Mintzer, Ralph Irrizarry , Yomo Toro, y Humberto Ramírez, Reinaldo Jorge y Oscar Hernández. Sus influencias musicales van desde Israel " Cachao " López (música y estilo) a la incorporación de Mongo Santamaría del jazz norteamericano y los ritmos afro-cubanos , el Dizzy Gillispie , Tito Rodríguez, Machito y Tito Puente. Rivera ahora vive en Buffalo, Nueva York, donde se ha hecho un hueco en la escena musical de Nueva York occidental .

En el año 2000 , Rivera fue incluido en el Salón de la Fama de Música Buffalo , un premio que reconoce sus logros y contribuciones musicales a la comunidad occidental de Nueva York.
El 07 de junio 1996 Rivera lanzó NINGÚN LÍMITE una producción que contó con ocho selecciones de composiciones de jazz latino refinados proporcionando información sobre los sonidos que evolucionaron de las orquestas de la rumba de los años 1930 , el movimiento cubop de la década de 1940 y el Jazz latino de hoy. NINGÚN LÍMITE rápidamente llamó la atención de algunos de los mejores críticos del país.

"Líder percusionista y compositor de banda puertorriqueña de Nueva York Wendell Rivera es la prueba viviente de que mientras que usted puede sacar al chico de los trópicos no puede tomar los trópicos del chico . Su álbum de producción propia es uno de los más agradable , lleno de melodías pegadizas , sorpresas estilísticas y rítmica de calor de la temporada " . - Marcos Holston , hispanos, Jazziz , y Nueva York la revista Latino .

" Wendell reúne un conjunto de los mejores instrumentistas de Nueva York y juntos ofrecer algunos de los más frescos ranuras de jazz latino en todo . " - Rudolph Mangual, la revista Latin Beat .

" Felices los solos de saxo , cadena pianística de perlas, espíritu latino y el perfeccionismo , la individualidad de jazz , ritmos y percusión " con salsa " que les permite conocer y bailar. " - Charlie Kiel, Autor , etnomusicólogo
La última producción de Rivera Portafolio , es una sesión poderosa y persuasiva cargado con sus cautivantes melodías , tensa los solos de jazz y ritmos afro- caribeña fundidos. Esta alta energía Fecha de corriente se beneficia de un fuerte disparo de sabor tropical proporcionado por el legendario cantante Yolanda Rivera, as cuatrista Yomo Toro , Nino Segarra y otros invitados célebres .

Rivera también aparece en Miki Howard de "No se puede Count Me Out" ( de Hush Records) , la versión de " Macarena " de Chekere de Costa Rica , producido por Tony Johnson ( Looney Tunes Records ) , "Contenido Bajo Presión " y " Palma de Oro " con Jeff Jarvis y "Just For You ", con Jeff Hackworth .

Mientras se mantiene un fuerte compromiso con la música latina , tanto anotada e improvisó junto con el jazz, Wendell enseñó Afro - Latin Music de la Universidad de Buffalo. Rivera también sirvió en el Consejo de Administración de Músicos Unidas para la Educación Superior ( MUSE ), una organización sin fines de lucro que apoya a las artes como absolutamente necesario para los niños, en términos de desarrollo físico, intelectual y emocional saludable . También sirvió en el Consejo de Administración para esta pequeña casa , un programa después de la escuela con un énfasis en las artes.

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Wendell Rivera – Wendell Rivera's Latin Jazz Ensemble (2006)

Temas:
01.Sereno 
02.Mango Sabor 
03.La Conga Loca 
04.La Hora De Fiesta 
05.Another Day 
06.Vista Nova 
07.Tercera Base
08.House III

Musicos:
Wendell Rivera-Congas, percussion
John Patitucci-Bass
Dave Kayne-Vibes
Pat Georger-Piano, synthesizer
Andy Weinzler-Saxo tenor, flute
John Bacon Jr.-Drums

lunes, 16 de diciembre de 2013

Omar Sosa - Eggun



Un homenaje a la leyenda de la trompeta de Miles Davis Kind Of Blue (Columbia, 1959 ) , sin una sola canción del disco? La respuesta: un rotundo " ¡Sí!" En 2009, el genial pianista Omar Sosa recibió un encargo del Festival de Jazz de Barcelona para " componer y producir un espectáculo homenaje a la grabación clásica de Miles Davis , Kind Of Blue , con motivo de su 50 aniversario. " La palabra clave no es " tributo" ; no " facsímil " o " reescribir ". Incluso si hubieran pedido a Sosa por una cosa así, que habría sido poco probable que obtener de un jugador tan originales. Su Davis- como la reputación como artista intransigente que hace su propia cosa , independientemente de las tendencias , él la elección perfecta para un proyecto de tal hecho y él Acorde - y no sigue- decepción . Tomó algunos años por la música para ser grabada y hacer que el mercado, pero es aquí ahora y es impresionante.

Juana Cararach, el director el Festival de Jazz de Barcelona, hace la nota del hecho que esta música " proviene de las células melódicas de Clase de los soloes de Blue, " y nota que los breves interludios unen al pianista Bill el trabajo de Evans, pero esto puede o no poder ser tan importante. Algo así obviamente nacido " de Bosquejos de Flamenco " podría ser descubierto en la música de Sosa - o el " Tan Lo que ", " Todo el Blues ", y las referencias "de Freddie Freeloader" " de Tan Todo Freddie " - o quizás ellos no van, a que es maravilloso sobre esta grabación es que esto es abierto la interpretación por el individuo y esto captura el espíritu, si no la esencia musical, de Davis.

Mientras Sosa bate el récord en pistas quince , se toca mejor como una sola obra de formato largo . Sus habilidades como arquitecto sónico brillan a través de aquí . En sus grabaciones anteriores, la Calma en solitario ( Ota, 2011 ) y el dúo Alma ( Ota, 2012 ) , Sosa fue el punto focal, pero en este disco, su papel es diferente. Él todavía actúa como un prestidigitador pianístico de los espíritus, pero su trabajo gran imagen como titiritero y construccionista es de mayor importancia en el gran esquema de las cosas.

Cuando se trabaja con un conjunto de pan- global de las once , es importante tener en cuenta la hoja de ruta y Sosa hace más que eso , él escribe. Algunas cosas siguen siendo bastante constante y presente, al igual que 'bass burbujeante y Joo Kraus ' Childo Tomas de corte a la del corazón, la trompeta de Davis- esque, pero otras partes van y vienen. La percusión es un elemento importante y casi constante en el juego, como en todas las obras mayores de Sosa , pero con tres percusionistas y un baterista mezclando las cosas , nunca suena igual de momento a momento o la pista para seguir . Leandro Saint- Hill y anticuario madera Peter Apfelbaum ambos se merecen un gran elogio , demostrando ambos ser valiosos elementos de diseño , ya que cubren todo, desde la flauta al saxofón bajo entre ellos.


Eggun , como la mayoría de los registros de Sosa , es más una experiencia que un álbum , así que siéntese , enciende algunas velas , como el propio Sosa probablemente hacer, y dejar que la música te lleve away._Dan Bilawsky

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Omar Sosa - Eggun (2013)

Temas:
01.Alejet
02.El Alba
03.Interludio I
04.Alternativo Sketches
05.Interludio II 
06.Madre Mia (trad.)
07.Interludio III 
08.So All Freddie 
09.Interludio IV 
10.Rumba Connection
11.Interludio V 
12.Angustiado
13.Angustiado Reprise
14.Interludio
15.Calling Eggún

Musicos:
Omar Sosa: piano, Fender Rhodes, electronics, samples, vocals
Marque Gilmore: electronic percussions, EFX programming
Childo Tomas: electric bass, kalimba, vocals
Joo Kraus: trumpet, flugelhorn, electronic EFX
Leandro Saint-Hill: alto sax, clarinet and flute
Peter Apfelbaum: saxes, Melodica, caxixi
Lionel Loueke: electro acoustic guitar and vocals on tracks 4, 8, 10, 12, 13
Marvin Sewell: guitars on tracks 1, 3-7, 9, 15
Gustavo Ovalles: Afro-Venezuelan percussions (Quitiplas, Culo'e Puya, Maracas) on tracks 1, 3-7, 9, 11
Pedro Martínez: Afro-Cuban percussions on tracks 6, 8, 15
John Santos: clave, Chekere, Waterphone, panderetas, tambora, Güiro and Quijada on tracks 2, 12, 13, 15
Lázaro Montalvo: Yoruba prayer on track 15

domingo, 15 de diciembre de 2013

Orquestra Mirasol - D'Oca A Oca I Tira Que Et Toca




Tras el innovador y, por qué no decirlo, espectacular manifiesto que había sido su disco de debut, Salsa catalana, la Orquestra Mirasol acometía un segundo y ambicioso LP-doble para más datos- ampliando el número de participantes y colaboradores, y adoptando una dinámica que se ve reflejada perfectamente en el título: el “juego de la oca”, simple y fulminante, ideal para niños. No obstante, hay que decir que este segundo disco será bueno en la medida en que su predecesor lo es más (más rotundo, más claro, más concentrado).

Lo primero que hay que mencionar es que el que había sido el think tank de la formación, Batllés y Ammann, se ampliaría con la incorporación del saxofonista y teclista canadiense Dave Pybus, que además aporta casi una tercera parte del peso creativo de la orquesta: composiciones, arreglos y una determinada manera de hacer. Y respecto a esto, hay que hacer unas primeras acotaciones. La incorporación de Pybus trae sin duda colorido y frescura, y un sentido muy americano de producir rítmicas; pero al mismo tiempo trae también un deje simplón y una cierta comercialidad. Rompe, o más bien, descompresiona el centro originario ideal de la primera Mirasol, que no era otro que el de lograr una auténtica música de fusión plegada sobre lo mediterráneo y lo latino (pero una latinidad más de mare nostrum que caribeña, y si lo era de ésta última, que lo fuera de ida y vuelta). Dicho de otro modo: este disco enriquece al anterior pero también lo diluye. Hay en él algo de culminación, pero también de conclusión final (o desmantelamiento). De hecho, tras este disco la Orquestra Mirasol se escindiría en dos formaciones, La rondalla de la costa, dirigida por Batllés, y Mirasol-Colores, encabezada por Pybus, mientras que Ammann pasaría a unirse a Blay Tritono. Pero estamos hablando únicamente en términos de lo que me parece era la idea-fuerza de la primera Mirasol ya que, por otra parte, el disco es excelente (o casi). Así que veamos el vaso medio lleno ahora.

De entrada: ningún otro grupo de la cuerda layetana obtuvo un sonido como el de la Mirasol: tan imaginativo, popular, contagioso y caliente, todo en uno. Blay Tritono estuvieron cerca, cuando menos, de lograr un sonido igualmente personal, pero dejaron poca obra grabada. Y en cuanto a Música Urbana, todo y ser extraordinarios, con frecuencia se les iba la mano en la cocina, resultando sus platos indigestos y pesados. El talento de Batllés sigue brillando en D’oca a oca... por encima de todo en varios aspectos: composiciones sensacionales (la contundente Beba Colo-Cao, con su triálogo entre los saxofonistas Ricard Roda, St. Maur Stocker y Pybus; la soleada y sensual Fino en onda, con otra de sus preciosas melodías para clarinete; la madurez y sabiduría de Estats, tapadores i plumeros; o la originalísima y maravillosa Not muermos, en la que ya se apuntan cosas de proyectos posteriores suyos, como el de La rondalla); y también en su manera de tocar el bajo: auténtico pal de paller –que se dice en catalán– de la banda, con un sonido tan melódico y comprimido, insólito, todo lo contrario a cómo sonaban los bajos eléctricos en las bandas de fusión de entonces. Aunque con menos temas escritos, también destacan No vull ésser músic o la breve Obriu les finestres, composiciones ambas de Ammann que recuerdan al primer disco Y respecto a las canciones de Pybus, no obstante lo dicho más arriba me encanta Jarrett por su clara voluntad de hacer una pieza hermosa. Y no podemos olvidarnos de Son las cossas dil momento, una jugosa jam firmada por toda la orquesta más Toti Soler, invitado especial en el tema, que realiza uno de sus típicos y estupendos solos de guitarra eléctrica con wah-wah.

Para ir acabando, decir que la peculiar experiencia creativa de la Orquestra Mirasol no se entiende del todo sin tener en cuenta lo que fue su experiencia personal: un grupo de músicos viviendo juntos en una especie de comuna musical en Mirasol, en las estribaciones de la barcelonesa sierra de Collserola; en un contexto idóneo para todo tipo de experimentaciones y para el ejercicio de la libertad en un momento único de nuestra historia reciente, como fue el final de la ominosa dictadura de Franco. Y, finalmente, dos cosas que quiero señalar. La primera, que todo y haber sido los fundadores de la ona laietana, escuchada ahora la Orquestra Mirasol es la formación que menos layetana suena de todas aquellas, o al menos según lo que marca el tópico (algo a tomar nota). Y la segunda, esa versión de la emblemática To de re per a mandolina i clarinet (tema de Batllés que abría Salsa catalana) arreglada e interpretada para guitarra acústica por Rafael Zaragoza ‘Zarita’: una delicia. Ahora sólo queda preguntarse, ¿qué fue de Xavier Batllés y por qué durante tantos años hemos estado privados de su talento?._Germán Lázaro

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Orquestra Mirasol - D'Oca A Oca I Tira Que Et Toca (1975)

Temas:
01.Obriu Les Finestres
02.Beba Colo-Cao
03.Jarret
04.To De Re Per Mandolina i Clariné
05.The Night Of Living Semis
06.No Vull Ser Músic, Perquè Tinc Malalts El Cap i Cor
07.Company De La S.E.A.T.
08.Not Muermos
09.Fino En Onda. Reserva
10.Si Hay Viento, Dejamos De Remar
11.Freed's Funk
12.Son Las Cosas Dil Momento
13.Vacilando En Cualquier Onda
14.Estats, Tapadores, Plumeros. Final No Sé Què Dir-te 

Musicos:
Dave Pybus (sa, ss, cl, p-elect…)
Víctor Ammann (p, org, sint)
Xavier Batllés (b, b eléct, g…)
Gustavo ‘Krupa’ Quinteros (bat, perc, órg)
Santa Salas (perc)
Ricard Roda, Paul St. Maur Stocker (saxos)
TT Matutano (fl)
Toti Soler, Rafael Zaragoza ‘Zarita’ (g)
Xavier Riba (vla)
Albert Armengol (vib)
Pedrito Diaz (perc)

sábado, 14 de diciembre de 2013

Pedro Guzmán – Feliz NaviJazz



“Feliz Navijazz”, un sublime nuevo disco del virtuoso cuatrista Pedro Guzmán es una nueva mirada a temas tradicionales y amados por los puertorriqueños como “Alegre vengo”, “Llegó la Navidad”, “Cucubano” y “Caminan las nubes”, entre otros.

Los aborda con la determinación de un explorador y el resultado es una música limpia, de matices variados, melodías bien trazadas por el pincel de un maestro de las variaciones jazzísticas. Un verdadero deleite para el oído.

Hijo adoptivo de Caguas, Guzmán estudió en la Escuela Manuela Toro Morice y en la Libre de Música Antonio Paoli. Se considera un espíritu libre a quien su padre le inculcó el hábito de la lectura, práctica que le ha servido de escalón para crecer espiritualmente.

Ese espíritu libertario se traduce en su música que abre nuevas perspectivas, por ejemplo, a un tema tan asociado a la montaña como “Alegre vengo”, en el cual el sonido del tiple doliente se escucha claro y hermoso, como debe ser, sobre un sorpresivo ritmo de bomba que siempre asociamos con las costas. ¡Qué hermoso!

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Christmas Song

Pedro Guzmán – Feliz NaviJazz (2012)

Tema:
01.Llego la Navidad
02.Caminan las Nubes
03.Cucubano
04.La Muralla
05.Christmas Song
06.Canto a Boriquen
07.Mi Cuatrito
08.La Llave de Mi Corazon
09.Alegre Vengo

viernes, 13 de diciembre de 2013

Sabu Martinez – Maldito Primitivo



Louis " Sabu " Martínez fue uno de los músicos de conga más prolíficos en la historia de la música afro- cubana. Además de sus propios álbumes , Martínez grabó con músicos tan influyentes como jazz Dizzy Gillespie, Horace Silver , Buddy DeFranco , JJ Johnson , Louis Bellson, Art Farmer y Art Blakey , y vocalistas de jazz como Tony Bennett y Sammy Davis , Jr. El emigrar a Suecia en 1967, se siguieron aplicando sus ritmos muy melódicos a una larga lista de grabaciones de primera categoría artistas suecos .

Nacido en Nueva York Harlem español , Martínez pasó su infancia superando ritmos en latas en la calle 111 . A la edad de 11 , él se realizaba cada tres noches en la calle 125 por 25 centavos de dólar por noche . Todavía estaba en su adolescencia cuando comenzó a tocar con bandas latinas , incluyendo los dirigidos por Marcelino Guerra y Catalino Rolón . En 1944 , pasó un período extenso viviendo en Puerto Rico.

Orgy in Rhythm , vol. 1 Después de servir un año en el ejército, a la edad de 17 años, Martínez retomó su carrera musical como miembro del trío de la originadora mambo Joe Loco. A los pocos meses , su forma de tocar atrajo la atención de los músicos de jazz . En 1946 , comenzó una larga asociación con el baterista Art Blakey . Martínez y Blakey continuaron trabajando juntos periódicamente hasta 1959. Además de dirigir la sección de ritmo en innovador álbum Orgía de Blakey in Rhythm , en 1954 , apareció en los álbumes de Jazz Messengers Cu- Bop y Mensajes en 1957.
Martínez siguió siendo un músico de sesión mucho - en - demanda. Además de reproducir música tradicional latina con los Lecuono Cuban Boys , colaboró ??con Charlie Parker y Max Roach durante una temporada de 13 semanas en el club de Nueva York el Three Deuces . En abril de 1949, se lleva a cabo con el clarinetista Benny Goodman columpio .

Mareado y mareado El punto culminante de la carrera de Martínez llegó en 1948 cuando se unió a la banda de Dizzy Gillespie, tras el asesinato del conguero Chano Pozo influyente . Durante los nueve meses que él se realizó con el grupo , jugó en cinco álbumes: Dizzy , , 16 raras actuaciones más mareado y mareado , cuando Be- Bop se reunió con el Big Band , y Diz . A cambio, Gillespie apodado Martínez " Sabu " , cuando notó un gran parecido a la popular actor indio Sabu , el " Elephant Boy ".
Palo Congo A pesar de su fama , Martínez tuvo problemas con la adicción a la heroína. A mediados de los años 50 , dejó brevemente la música para realizar un striptease en Baltimore. A pesar de que superó su adicción en 1956 , tomó varios años para que se convierta en " psicológicamente libre " de las garras de la droga. La formación de su propio quinteto , Martínez grabó tres discos memorables : la obra maestra afrocubana Palo Congo en 1957 , y dos, Safari y Hechicería , en 1958 , que han sido descritos como " los registros exotica más salvajes nunca. "
De Sabu Jazz Espagnole En 1960 , Martínez colaboró ??con Louie Ramírez para registrar la historia de decisiones álbum de jazz latino Jazz Espagnole . Cuatro años más tarde , se trasladó temporalmente a Puerto Rico , donde actuó con varias bandas , incluyendo la Orquesta Johnny Conquet y conoció a su futura esposa, Agneta . En 1967 , se casaron y se mudaron a la tierra natal de Agneta en Suecia. Martínez permaneció allí durante el resto de su vida.
Poco después de mudarse a Suecia , Martínez dio un concierto con la Lill Lindfor Musical Revue . Esto comenzó una larga relación con músicos suecos . Además de compartir su conocimiento de la música y la conga como profesor, él realizó y grabó con artistas como Cornelius Vreeswick , Merit Hemmingson , Radiojazzgruppen , Björbobandet , el Eero Koisvistoinen Music Society , la combinación Peter Herbolzheimer Rhythm and Brass , Gugge Hedrenius ' big Band , e Iván Oscarsson . Mientras que en Suecia, que en ocasiones ha colaborado con músicos americanos , incluyendo a Kenny Clarke, Art Farmer , y George Russell. En 1973 , formó su propia banda , Nueva Burnt Azúcar, y publicó un libro de ejercicios de conga . Sus sesiones de grabación final se produjo mientras trabajaba en Debbie Cameron y el álbum Brief Encounter de Richard Boone en 1978. Martínez murió el 13 de enero de 1979, de un gástrica ulcer._Craig Harris





Sabu Martinez – Maldito Primitivo (2009)

Temas:
01.Maldito Primitivo
02.Organo Oriental
03.Hot Salsa
04.Blues en Latin
05.Guajira Plaza Dolon Puerto Rico
06.Introduction for the program Tonkraft

miércoles, 11 de diciembre de 2013

The Fuck King Orchestra- Sin Rumba Fijo




The Fuck King Orchestra. Nace de la mano de LUIS CHACÓN (Guitarrista) de su necesidad ferviente de llenar un vacío que demandaban las nuevas generaciones, dónde debía romper con las antiguas y desgastadas ideas de que solo aquel que escuchaba un género musical debía ser fiel al mismo, sin darse la oportunidad de sumergirse en otro género musical, dónde el SALSERO solo escuchaba MÚSICA LATINA, el ROCKERO solo escuchaba Rock, el JAZZISTA solo escuchaba JAZZ, Luis Chacón decide así seguir los pasos de otras bandas que ya habían incursionado en la fusión del ROCK con la SALSA.

Bandas cómo “LABERINTO” de Venezuela, “PULLA” de Puerto Rico, “SARGENTO GARCIA” de Francia, España, Cuba, “KLASS BROTHER” de Holanda y Cuba, “SONTIZON” de Venezuela, “BACALAO  MEN”  de  Venezuela,  “TEAM  MALIN”  de  Venezuela,  “CARLOS  SANTANA”  de México, entre muchas otras bandas, son escuchadas y estudiadas a detalle,  analizando cada uno de los estilos para así poder ofrecer lo que estas bandas estaban descuidando, allí se llego a la conclusión de que habían elementos del “MERENGUE”, “TANGO”, “GUAJIRA”, “BOMBA”, “PLENA”, “CALIPSO”, “REGIONAL MEXICANA”, “GAITA   VENEZOLANA”, “CUMBIA”, entre muchos otros más, que no estaban siendo explotados en las bandas ya establecidas de METAL LATINO.

Desde ese momento fluye de manera muy definida crear una banda de METAL LATINO con los elementos que ya lograban muy bien las bandas líderes de este género, y además incorporar los elementos que no se les estaba dando relevancia dentro del Metal Latino.

La idea primordial era tener una banda de METAL PESADO con el plus de una ORQUESTA DE SALSA, era como unir a “PANTERA con OSCAR D´ LEÓN”, a “DREAM THEATER con MARC ANTHONY”.

El concepto primordial es que estarían siempre presentes estos dos géneros musicales ROCK/SALSA y se les agregaría elementos de otros estilos musicales faltantes en las bandas fuertes de METAL LATINO.

En diciembre del 2010 Luis Chacón se reúne con Ignacio Gómez Ceja (percusionista), quien estaba  terminando  sus  estudios  musicales  y  qué  ya  habían  trabajado  juntos  años  atrás, deciden unir conocimientos en un solo proyecto, Ignacio Ceja aporta sus conocimientos de Música Clásica, Música Latina desde Son hasta jazz Latino, Rock y Regional Mexicana, Luis Chacón aportaría sus conocimientos de Rock desde Hard Rock al Progresivo, Reggae, Latina y JAZZ, es cuando se consolida el concepto de la orquesta.

Comienzan a componer en ENERO de  2011 y deciden llevar los clásicos del Rock hacia la SALSA
y los Clásicos de la SALSA hacia el Rock.

Corren aproximadamente 4 meses cuando terminar de plasmar  las ideas para este arriesgado proyecto, comienzan a reclutar músicos y es en Junio del 2011 cuando se les une en el BAJO Mario Miranda, músico académico con entendimiento del JAZZ, Rock y Música clásica. 

Pasaron  por  las  filas  varios  bateristas  y  al  ver  la  dificultad  de  encontrar  a  alguien  que entendiera y creyera en el proyecto Ignacio decide pasarse de las percusiones a la Batería, ya estaba conformada la base rítmica, Ignacio en la Batería, Mario en el Bajo Y Luis en la guitarra.

La tarea más ardua era encontrar un cantante que pudiera dominar esta variedad de estilos y géneros, además de un percusionista que se abriera a otras posibilidades muy alejadas de la música latina.

Comienza la Grabación  en Agosto del 2012, Ignacio graba la Batería y las percusiones, ya qué aún no había llegado el percusionista ideal para esta tan alocada empresa.

Se graba toda la base Rítmica, se graban metales y en julio del 2013 que aparece Uzziel Ismael Burgos, un ser alocado, irreverente, efusivo, apasionado y de mente muy abierta para las percusiones, el cual domina muy bien y con inigualable destreza monta todas las canciones en un tiempo muy corto.

Agosto del 2013 llega GERARDO BALANDRANO a la voz, con personalidad espontanea, desinhibida y además el dominio de varios géneros musicales como la música latina, el reggae y el rock.

Ya estaba lista la banda, la base rítmica….

A nacido “the fuck King Orchestra”, nombre el cuál identifica a sus integrantes, ya que es colocado como muestra de represalia contra todos aquellos que no creyeron, que apostaron al fracaso y la desidia, que solo reían al ver la complejidad del producto, el dedo medio como estandarte de batalla, expuesto en primer plano para recordarles que los limites están en sus mentes y no en las nuestras, que daremos un viaje y recorrido por cualquier estilo o género musical sin dudar, por difícil que parezca, que estamos abierto al cambio y al aprendizaje, sin importar los tropiezos, golpes y moretones tomados en el camino.

“the fuck King Orchestra”, es una banda sarcástica, irreverente e irónica, pasando de lo más burdo a lo más sofisticado o de los más fino y exquisito a lo más ordinario y poco estilizado.

La primer Producción Musical es titulada “Sin Rumba Fijo”, titulo que hace alegoría a que musicalmente la orquesta no tiene un rumbo obligatorio o que la Rumba no es el destino final de  la  orquesta, concluyendo con esto, que  la  banda  no se  podrá  encasillar  bajo ninguna etiqueta o concepto preconcebido..!!! Simplemente somos “the fuck King Orchestra”.

"THE FUCK KING ORCHESTRA" es una banda de músico latinos inspirada en el "SARCASMO" y la "IRREVERENCIA MUSICAL" con el principal objetivo de divertir y entretener con la satírica representación de sus temas de una manera poco convencional, llevando al público por una travesía sin medida, pasando por el Bolero, Guaguancó, Bomba, Plena, Reggae, Salsa, Cha Cha, Rock, Hard Rock, Heavy metal, Speed Metal, Power metal, Progresivo y Jazz.
 THE FUCK KING ORCHESTRA es una banda de Rock con el plus de una orquesta de Salsa en un solo escenario dando cabida a una versatilidad interminable, todo el sabor latino fundido a la fuerza del rock.

Contacto de Prensa: the.fk.orchestra@gmail.com 

Fan Page: https://www.facebook.com/TheFKO





The Fuck King Orchestra- Sin Rumba Fijo (2013)

Temas:
01. The FKO opening 
02. Oye como va 
03. Enter sandman 
04. Llorarás 
05. .Stairway to heaven 
06. Twisted light music 
07. Latino soy 
08. Rebelión (Fear of the dark) 
09. Bohemian rhapsody

Musicos:
Fuck King Vocals: Gerardo Balandrano
Fuck King Guitar: Luis Chacón
Fuck King Bass: Mario Miranda
Fuck KIng Percussion: Uzzo conga
Fuck King Drums: Nacho Gómez 
Fuck King Trumpet: Alfredo Pino
Fuck King Trombone: Oscar Pineda
Fuck King Alto saxophone: Yancis Ventura
Fuck King Baritone saxophone: Juan Manuel Navarro

El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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