martes, 30 de abril de 2013

Ernán López-Nussa - Habana Report






Ernán López-Nussa sobresaliente pianista y compositor, nacido el 10 de septiembre de 1958. Este músico tuvo una rigurosa formación académica, estudió en el Conservatorio Amadeo Roldán y en el Instituto Superior de Arte. 

Ernán López-Nussa tiene la excepcional capacidad de fusionar elementos distintos del complejo espectro sonoro de la música universal a través de un lenguaje contemporáneo. Su musicalidad se extiende desde los clásicos de la academia, lo popular nacional y el latin jazz.

Desde 1977 es pianista de Afrocuba, agrupación cubana que acompañó durante varios años a Silvio Rodríguez. Desde ése entonces ha sido parte de múltiples proyectos al lado de Bobby Carcasses y otros. Además ha hecho parte de trabajos  con Síntesis, Elena Burke, Alina Sánchez, Maraca, Cuarto Espacio, Tata Güines, Angá, Merceditas Valdés, entre otros. Ernán participó en dos álbumes de Amaury Pérez y el tributo a Emiliano Salvador, “A Puerto Padre”, el cual fue laureado con el premio Cubadisco 2001. También hizo parte de los homenajes a Bach y Cervantes con la Camarata Romeu.
Ernán López-Nussa estuvo galardonado en concursos nacionales e internacionales como pianista y compositor, además de ser participante en numerosos festivales y giras en países de Europa, Asia y América. Ha ofrecido conciertos en el Ronnie Scott´s de Londres, New Morning de París, Teatro Municipal de Río de Janeiro, Teresa Carreño de Caracas, Luna Park de Buenos Aires, el New Morning de Ginebra, el Jazz a la Martinique de Fort de France, el Fujiyama Jazz Festival de Japón, Festival de Jazz Dinamarca y Festival Jazz plaza de la Habana, entre otros.

Desde mediados de los años 90s hasta el 2000, Ernán López-Nussa se desempeñó como embajador de la UNICEF en Cuba. 

Sus discos son “Figuraciones”, “Delirium” (2000), “From Havana To Río” (con músicos cubanos y brasileros), “Habana Report” (2001) y “Mano de Obra” (2004)


Legendaria agrupación cubana que fue ideada por el famoso pianista cubano Ernán López-Nussa. En Habana Report se fusionan elementos populares, clásicos y jazzísticos con un componente esencial: el sabor. Este proyecto cuyo marco conceptual se centra en exaltar los vínculos originales entre la música tradicional cubana con la de New Orleans, ha contado con excelentes músicos y leyendas de la música cubana como el fallecido Tata Güines, Pancho Terry y el gran Changuito.






Ernán López-Nussa - Habana Report (2003)

Temas:
01.Amén
02.Esto No Tiene Nombre
03.Bye Bye Blackbird
04.Mack The Knife
05.Tin Tin Deo
06.Wendy´s Blues
07.Blues De Marieta
08.Tierra Mía (Jazz De La Tierra)
09.Archipiélago

Musicos:
Ernán López-Nussa (Piano, Director, Areglista, coros)
Tata Guines (Tumbas)
Changuito (Timbales, batería)
Pancho Terry (percusion afrocubana. Voz en Tierra mía)
Alexander Brown (Trompeta)
Jorge Alexander "Sagua" (contrabajo)

Musicos invitados:
Julio Padrón (Trompeta en tierra mía)
Joaquin Oliveros(Flauta en Amen)
Orlando Sanchez (clarinete en Mack the knife)
Haydee Milanes, Eduardo Ramos (coros)

Grabado y mezclado en Estudio Abdala, La habana 2001

lunes, 29 de abril de 2013

Mario Bauzá - The Best Of...(18 exitos)





Mario Bauza, trompetista, arreglista y compositor cubano nacido en La Habana el 28 de abril de 1911. Viajo en 1926 a Nueva York con la orquesta de Antonio María Romeu, luego regreso en 1930 para quedarse definitivamente a Estados Unidos. Toco la trompetista en el cuarteto de Antonio Machín. Trabajó con Cass Carr, Noble Sissle, Sam Wooding, Chick Webb, Don Redman, Fletcher Henderson y Cab Calloway.
En diciembre de 1940, debutó como director artístico y arreglista de los Afro-Cubans, la Orquesta del gran Machito en el Park Plaza,
En los años cuarenta, Mario desarrolló el sonido y el estilo del Latin Jazz, o  Jazz Afrocubano, la labor de Mario Bauza en la orquesta de Machito fue fundamental en el surgimiento de dicho estilo musical; permaneció por 25 años al lado de Machito y Big Band. Mario Bauzá murió el 11 de junio de 1993.



Mas información relacionada




Mario Bauzá  - The Best Of...(18 exitos)

Temas:
01. El Manisero
02. Mambo Ricon
03. Guateque De Chombo(feat.Graciela)
04. Night In Tunisia
05. Mambo
06. Chucho
07. Azulito
08. Son Cubano
09. Biri Bi Kum Bi
10. Cubauza
11. Canto Lucumi
12. La Vida Es Un Sueño
13. Ve De La Ya Ya
14. Paz Profundo
15. Heatwave
16. Somos Novios (Impossible)
17. Jack The Knife
18. Chano

domingo, 28 de abril de 2013

Conjunto Los Naranjos - La Tradicion No Se Olvida



Conjunto Los Naranjos. Septeto que tiene en su repertorio trabaja la línea del son y también la canción tradicional, el bolero y otros géneros de la música popular cubana.

Fue fundado en Cienfuegos, Cuba el 3 de abril de 1926. Integrado por Casimiro Soriano Zayas, director y claves; Carlos Sarduy, tres; Pedro Soriano, guitarra; Herminio Estrada, bongó; Elisecto González, marímbula, y Rosendo Ramírez, cantante.

En 1927 Estanislao Giménez sustituye a Sarduy en el tres, entró Fermín Avilés, tres, acompañante (en función de guitarra), y Pedro Soriano pasó a tocar las maracas. En 1930 ingresó en el conjunto Alejandro Losa, trompeta, y Elisecto González sustituyó la marímbula por el contrabajo.

En 1942 el Conjunto Los Naranjos estaba integrado por Herminio Beltrán, Benjamín Cuellar, Pedro Soriano, Gumersindo Soriano, Ricardo Ordóñez, Oscar Estrada y Elisecto González. En 1956, con el apogeo de las jazzbands.

Los Naranjos se convirtieron en un conjunto orquestal, y sus miembros eran:
Gumersindo Soriano, director y cantante
Tomás Sierra, piano
Eloy Frías, trompetas
Alejandro Losa, trompetas
Martín Flores, trompetas
Ernesto Suárez, contrabajo
Carlos Lay, tumbadora
Tiburcio Cabrera, bongó
Daniel Fonseca, guitarra
Francisco Sarría
Juan de la Cruz, cantantes

Después de 1959 volvió a adoptar la estructura de septeto, y en 1965 estaba integrado por: Mario Santa Cruz, Raimundo Rodríguez, Tomás Castellanos, Urbano Aday, Clemente Sarría, Gumersindo Soriano, Eloy Frías

Por Los Naranjos pasaron en diversas etapas, Miguel Enríquez Reyes, Humberto Gaínza, Pablo Jústiz, Humberto Rodríguez, Osvaldo Abreu y Lutgarda Ordaz, cantantes; José Sánchez, maracas; Ramón Pérez, contrabajo y José Hernández, director y trompeta.

Además de participar en los festivales de son y otras celebraciones musicales, el conjunto Los Naranjos ha tenido una amplia proyección en el extranjero, sobre todo en México —particularmente el programa Sabor, sabor, que trasmite Radio Educación, radioemisora cultural— y en el Caribe.




Conjunto Los Naranjos - La Tradicion No Se Olvida (2000)

Temas:
01.Camina Como Chencha
02.La Mujer De Antonio
03.Me Engana Muchito
04.Senor Barbaro Del Ritmo
05.Ae! Como Va A Quedar
06.Al Estilo Del Guayabero
07.El Repellito
08,El Son Que Yo Baile
09.Ay! Negra
10.La Tradicion No Se Olvida
11.Pedro El Gordo
12.Soltando Chispa

Musicos:
Félix Molina - Bass y Dirección Musical
Feliciano Cardenal - Bongos
Miguel Ángel Molina - Guitarra
Urbano Aday - Tres
Bartolomé Abreu - Trompeta
Osvaldo Abreu, Juan Justiz, Pablo Justiz y Humberto Rodríguez - Voz y percusión meno

sábado, 27 de abril de 2013

Mac Gollehon – La Fama




Mac Gollehon no es el primer nombre que viene a la mente cuando se considera la trompeta o trombón, sino que ni siquiera entre los cinco primeros que vienen a la mente, pero que debería ser. Sr. Gollehon es uno de los jugadores más talentosos de ambos instrumentos. También es uno de los músicos más conmovedores en cualquier instrumento.

Su álbum, La Fama lo demuestra más allá de cualquier atisbo de duda. ¿Por qué el señor Gollehon y su música se conocen tan poco a pesar de que fue elogiado por Miles Davis desafía la lógica. ¿Por qué un músico que juega con un amplio espectro de los grandes músicos de Ray Barretto y Héctor Lavoe al Doc Cheatham y Lester Bowie es aún más incrédula. Tal vez todo esto podría cambiar ahora que el señor Gollehon ha lanzado este disco, una colección de cartas de los años 70 y 80. Este disco casi por completo en el dialecto de Jazz Latino es un complemento adecuado para la grabación de 2010, Mac Straight Ahead otro récord magistral. En ambos registros Sr. Gollehon muestra que él es un trompetista virtuoso de primer orden. Técnicamente supremo, el Sr. Gollehon es también un intérprete tremendamente dotado de casi cualquier tipo de música, leer y jugar lo que hace con el corazón y el alma de una persona hecha casi por completo de la música y la mente de un poeta metafísico.

Cuando Mac Gollehon pone sus labios en la boquilla de la trompeta o el trombón, el paisaje interior de alguien nacido del espíritu cobra vida. Ese bronce es una extensión de su cuerpo hace que el Sr. Gollehon alguien como Charlie Parker, John Coltrane, Sonny Rollins, así como músicos como Charles Mingus para todos ellos los instrumentos que tocaban parecía ser como un miembro adicional. Hay otra cosa que es especial sobre el Sr. Gollehon: su voz la música está llena de expresiones humanas-gruñe, frotis, balbucea, gemidos, y lo mejor de todo, suspiros y susurros secretos graciosos. Como él juega bien asta que mezcla los humanos, los sonidos del habla como slurring como un borracho, llorando como un niño herido, gorgoteo una persona herida en la agonía de la muerte, o incluso gritando de la pura alegría de vivir de nuevo. Sus líneas están llenas de sorpresas. Pueden interrumpir melodías, convirtiendo las medidas lineales de dentro a fuera o dispersión de las notas en el medio de un coro de los vientos y de recordar las notas a medida que caen hacia él, arrastrando cada uno en el reverso. Su forma de tocar es a menudo sesgada, como la de la Thelonious Monk y cuando este tipo de música se encuentra enclavado mejilla por papada con un ritmo latino, rock con congas y timbales, hay algo místico y mágico. Con su aliento de fuego caliente, Sr. Gollehon aviva las llamas de cada una de las pistas maravillosas que manchan este impresionante récord.

Los cuadros, casi todos escritos por el Sr. Gollehon-se recogen de diferentes momentos entre 1979 y 1987 o incluso más tarde. Muchos de ellos han sido escritos para honrar algunas de las piedras de toque en su larga e ilustre carrera en el mundo de la música latina. "La Fama", fue escrito originalmente para una cita con Hector Lavoe, pero la estrella no podía hacer que la fecha por lo que se convirtió en un tema instrumental en homenaje al Sr. Lavoe. "Donde Lo HACE Duelen" fue escrito y grabado después de pasar algún tiempo jugueteando con Miles Davis. Cualquiera que sea el impulso, la música tiene un carácter extraordinario. Si toca en un conjunto pequeño o gran formato de banda, la música suena espectacular. Mucho de esto tiene que ver con la reproducción del Sr. Gollehon, que solo 'en la trompeta y el trombón, pero hay otra razón importante para la naturaleza excepcional de la música. Esto tiene que ver con la formación estelar que incluye a los pianistas Charlie Palmieri y Hilton Ruiz; percusionistas Frankie Malaby, SA Davis, Eddie Montalvo y otros. "Fotos De Los Ochentas" cuenta con el bajista extraordinario, Ray Martínez; Nite Trax, cuenta con algunas brillantes trabajos trompeta angular por Lester Bowie y el Sr. Gollehon, así, "Moods Conjunto" tiene una interacción fascinante entre el Sr. Gollehon Doc Cheatham y trompetista Ray Maldonado. Ambas tablas tienen actuaciones destacadas en batá por SA Davis. El registro también es honrada por la sección rítmica de largo plazo del Sr. Gollehon del bajista Bernard Edwards y el batería Tony Thompson. Por supuesto, es el sensacional juego de Mac Gollehon tanto en trompeta y trombón hace que este disco una isla desierta essential._Raul da Gama




Mac Gollehon – La Fama (2012)

Temas:
01.La Fama
02.New Mac City
03.Introspection
04.Voices
05.Casino
06.Fried Neck Bones
07.Donde Lo Hace Duelen
08.Fotos De Los Ochentas
09.Conjunto Moods
10.Nite Trax
11.A Night in Tunisia

Musicos:
Mac Gollehon: trumpet, trombone
Charlie Palmieri: organ
Larry Harlow: piano, organ
Hilton Ruiz: piano, organ
Gilberto “El Pupo” Colon: piano
Alon Nechushten: piano, Wurlitzer
Carlos “Patato” Valdez: congas
Frankie Malaby: congas, bata
SA Davis: congas, bata
Eddie Montalvo: congas
Francisco “Kako” Bastar: timbales
Nicky Marrero: timbales
Pablo Rosario: bongo
Sammy Pagan: bata
Poncho Roman: timbales
Jimmy Delgado: percussion
Ray Colon: percussion
Tony Thompson: drums
Bernard Edwards: bass
Ray Martinez: bass
Victor Venegas: bass
Alex Blake: bass
Ray Maldonado: trumpet
Lester Bowie: trumpet
Jose Febles: trumpet
Doc Cheatham: trumpet
“Puchi” Boulong: trumpet
Jose: Rodriguez: trombone
Harry D’Aguiar: trombone
Barry Rogers: trombone
Michael Grey: trombone
Baron Raymonde: alto saxophone
Mauricio Smith: flute
Robert Arron: flute, piccolo
A. J. Mantas: vibes

miércoles, 24 de abril de 2013

Machito Y Sus Afrocubans-Que Vengan Los Rumberos




En la década de los años 40 la música popular americana se vio sacudida por el fructífero y muy saludable matrimonio de la música cubana con el jazz americano; el encuentro entre estas dos ramificaciones de la ancestral raíz común africana produjo resultados de un potencial rítmico y de una belleza irrepetibles. Uno de 105 principales artífices de esta fusión fue Frank Grillo Machito, al frente de su legendaria banda, los Afrocubans: él es uno de los indiscutibles padres del Cubop, Jazz Afrocubano D, más genéricamente, Jazz Latino. Machito, cuyo auténtico nombreera Francisco Pérez Gutiérrez, nació el 16 de Febrero de 1912 (según otras fuentes, 1908,1909 Ó 1910) en Tampa, Florida, aunque se crió en La Habana. Su padre dirigía en la isla una fábrica de tabaco, en la que Machito cantaba improvisadamente con sus empleados, mientras que aprendía a tocar el bongó y la tumbadora en los ambientes populares de La Habana. Como cantante, sus más destacadas experiencias en Cuba se produjeron con María Teresa Vera e Ignacio Piñeiro, interpretando son, y también realizó algunas interesantes grabaciones con el Cuarteto Caney del pianista Frank Valdés. A finales de los años 30 Machito puso rumbo a Nueva York, donde su encuentro con Mario Bauzá iba a ser determinante para la historia de la música latina. 

Prudencio Mario Bauzá (La Habana, 28 de Abril de 1911), fascinado por el jazz desde su primer viaje a Nueva York en 1926, se había instalado definitivamente en la ciudad de [os rascacielos en 1930. Allí, a instancias de Antonio Machín, aprendió a tocar la trompeta en el tiempo récord de dos semanas, acompañando a Machín como trompetista en su grabación de "El manisero"; durante los años 30 Bauzá desarrolló una labor fundamental en diversas orquestas de swing: en 1931-32 fue saxofonista de la orquesta de Noble Sissle; entre 1933 y 1938, fue uno de los puntales de la memorable banda del batería Chick Webb, siendo además parcialmente responsable del descubrimiento de Ella Fitzgerald; Y, entre 1938 y 1940, formó parte de la orquesta de Cab Calloway, en la que introdujo novedosas percusiones afrocubanas, además de lograr un puesto en la orquesta para un trompetista en el que por entonces muy pocos confiaban: Dizzy Gillespie.

En 1940, Bauzá abandona la orquesta de Calloway y se pone a las órdenes de su amigo y cuñado Machito en la fundación de los Afroeubans; con la ayuda de los arreglistas de las orquestas de Webb y Calloway (John Bartee), Bauzá y Machito fusionan las desenfrenadas percusiones cubanas con las innovaciones armónicas del naciente be-bop, produciendo un sonido completamente inédito que en muy poco tiempo iba a revolucionar el ambiente musical neoyorquino. Con una formación inicial de tres saxofones¡ dos trompetas, piano (René 
Hernández, el mejor arreglista latino del momento en Nueva York), contrabajo, bongo y timbales, la banda de Machito y sus Afrocubans lanzan en 1941 su primera grabación, en la que se incluía un auténtico breviario de las innovadoras intenciones de Machito y Bauzá: "Sopa de pichón".

"Sopa de pichón 11 se convirtió de inmediato en un gran éxito; Bauzá, con más de diez años a sus espaldas de trabajo en el ambiente del jazz, utiliza sus contactos con grandes músicos, promotores y responsables de clubs nocturnos para asegurar una adecuada difusión de la buena nueva que traía la banda: el nacimiento del Jazz Afrocubano. Durante lo que resta de la década, y hasta el triunfo de un nuevo estilo, el Mambo, a mediados de los años 50, la banda de Machito y sus Afrocubans, reforzada en 1943 con la incorporación de la hermana de Machito, la cantante Graciela, se mantuvo en una posición de privilegio en la vanguardia de la música afrocubana; además, jugó un papel esencial en la latinización del discurso de jazzmen tan significativos como Charlie Parker (que grabó varios temas con la banda en 1948) o Stan Kenton, y en sus grabaciones participaron otros grandes músicos americanos como Ella Fitzgerald, Zoot Sims o Quincy Jones. 

Mención aparte merece la relación de Dizzy Gillespie con Machito y los Afrocubans; desde el momento en que conoció a Bauzá, en la época con Calloway, Gillespie se lanzó a estudiar la música cubana, y en 1948 y a instancias de Bauzá, se produjo su breve pero muy fructífera colaboración con el mítico percusionista Chano Pozo, asesinado a finales de ese mismo año. Gillespie, que compuso varios temas para los Afrocubans, participó también en varias de sus grabaciones, entre ellas el histórico álbum Afrocuban Jazz Moods (1975), el último proyecto común de Machito y Bauzá. Machito falleció pocos años después, concretamente el 15 de Abril de 1984 en Londres, mientras que Mario Bauzá contíuó realizando grabaciones al frente de su propia banda hasta su muerte, el 11 de Junio de 1993, en la que fue su casa en Nueva York durante 50 años._ Luis Linares 




Machito Y Sus Afrocubans-Que Vengan Los Rumberos (2013)

Temas:
CD.1:
02.Blen Blen Blen
03.Hay que Recordar
04.Hava Nagila
05.Cao Cao Maní Picao
06.Arroz con Picadillo
07.Esto es felicidad
08.Por Carambola
09.Relax and Mambo
01.Cha Cha Clarinete
11.Banana
12.Nagüe
13.Guampampiro
14.Siguiéndote
15.Lindo Ranchito

CD.2:
01.Cumbanchero
02.Cada Loco Con Su Tema
03.Dónde VA María
04.Mi Cerebro
05.Pin Pin
06.La Feria De Las Flores
07.Cuento Del Sapo
08.Mulata Soy Yo
09.Sopa De Pichón
10.Souvenir De Vienna
11.La Rumbantela
12.Muerto Se Fue de Rumba
13.Tingo Talango
14.Paella
15.Que Vengan los Rumberos

sábado, 20 de abril de 2013

Chucho Valdes – Estrellas de Cuba-Chucho Valdes & Irakere




Pianista, organista, compositor e instrumentista, Chucho Valdés es considerado uno de los mejores pianistas del mundo y desde luego la figura jazzistica más importante en la actualidad de Cuba. Desde niño comenzó a tocar piano guiado por su padre, el también pianista, Bebo Valdés, y los 14 años inicia su actividad profesional en la orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre. Fue alumno del Conservatorio Municipal de La Habana, donde trabajó con Ángela Quintana y más tarde fue discípulo de Zenaida Romeu y Rosario Franco, cuyas influencias considera importantes en su formación musical, graduándose de la Universidad de las Artes de la Habana.

Antes de los veinte años ya era un afamado pianista, decidiendo luego integrarse a grupos de jazz. En los inicios de los años sesenta formó parte de la orquesta del Teatro Musical de La Habana, donde coincidió en la actividad profesional con Leo Brouwer, Federico Smith y Alberto Alonso. Integró después la Orquesta Cubana de Música Moderna, fundando posteriormente el proyecto del grupo Irakere, junto con el guitarrista Carlos Emilio Morales. Con esta agrupación, desarrolla una significativa labor de rescate de las raíces de la música cubana, manejadas con nuevos elementos expresivos. Su revelación mundial como importante exponente del movimiento jazzistico internacional ocurre en el Festival Jazz Jamboree de Varsovia en 1970, donde fue ubicado por la crítica entre los mejores pianistas de jazz de ese momento, como renovador del Latin Jazz o Afrocuban Jazz y exponente del mensaje jazzistico cubano.

Su calidad interpretativa ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Victoria de Canadá, y por la de la Habana y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico. Maestro en todos los géneros, tanto jazz, música clásica y música popular bailable, ha impartido conferencias magistrales en la Universidad de Banff en Canadá, la Real Academia de Música de Londres, Centro de Altos Estudios de los Ángeles y San Francisco en el estado norteamericano de California. Ha recibido cuatro premios Grammy: en 1978 con Misa Negra interpretada con el Grupo Irakere; en 1996 con Havana , disco coprotagonizado con el trompetista Roy Hargrove y una banda cubano-americana-portorriqueña, en el año 2001 por Live at the Vanguard Village, y en 2002 por el CD Canciones Inéditas, producido por el sello cubano Egrem que obtuvo la categoría del Premio Grammy Latino como Mejor Álbum Instrumental Pop.

Entre sus composiciones más famosas figuran Mercy cha, Niña, Por la libre, Valle Picadura (danzón), Misa Negra (para piano), Juana 1600, Calzada del Cerro, Las Margaritas y Mambo Influenciado, entre otras. Sus instrumentaciones originalísimas a piezas populares, son consideradas un aporte de gran significado para el desarrollo musical cubano._apoloybaco.com 


Irakere es un grupo de jazz cubano. La orquesta reunió un sólido puñado de músicos donde el dominio instrumental permite innovaciones atrevidas e improvisaciones destacadas. Los arreglos modernos, al estilo del latin jazz, utilizan los instrumentos eléctricos, pero se articulan sobre bases afrocubanas más familiares.

Irakere se conforma como tal en 1967 pero había empezado a trabajar mucho antes; en ese año precisamente van a una selección convocada en La Habana para organizar con los mejores músicos de entonces la Orquesta Cubana de Música Moderna; ya en 1972 se acercaban a lo que actualmente producen decidiendo en 1973 llamarle Irakere, que en lengua Yoruba quiere decir Vegetación y es así como partiendo de su nombre trabajan con base en las raíces musicales afrocubanas. De esta manera, a través de la combinación, mezcla e interrelación de lo clásico, el impresionismo, el jazz, el rock y varias técnicas de composición logran pasearse por todos los estilos tales como la música bailable, la de concierto, la tradicional y la actual cubana.
Gracias al impulso del pianista Chucho Valdés, el grupo cubano Irakere levantó vuelo en 1973, nutrido del bop de Thelonious Monk.

Agregaron al conjunto instrumentos como tambores batá, tambores abacuá, tambores arará, chequerés, erikundis, maracas, claves, cencerros, bongó, tumbadoras, güiro, etc., que han dado a la rítmica cubana ese sabor inconfundible, aspecto este que le da el toque de originalidad al grupo. A esto se añaden los contrastes vocales, bien sea en coro o en forma individual, utilizando giros dialectales afroides recogiendo aquella tradición que le ha legado a la música cubana uno de sus principales atractivos.

El grupo Irakere ha estado integrado por muchos músicos durante su larga existencia como agrupación, entre los que cabe destacar a Armando Cuervo (Percusión), Fran Padilla (Percusión), Chucho Valdés (Vocal y Percusión), Jorge Alfonso "El niño" (Congas), Enrique Plá (Batería), Carlos del Puerto (Bajo), Jorge Varona, Arturo Sandoval , Juan Munguía, (Manuel Machado ), ( Adalberto Lara ) (Trompeta), Carlos Averhoff (Saxo tenor), Paquito D´Rivera (Saxo alto), Germán Velazco (Saxo alto y soprano), José Luis Cortes (Saxo barítono y flauta), Orlando Valle Maraca (flauta), Carlos Emilio Morales (Guitarra) y Cesar Lopez (Saxo)._wikipedia.org


Mas información relacionada






Chucho Valdes – Estrellas de Cuba: Chucho Valdes & Irakere (2013)

Temas:
01.Que Se Sepa, Yo Soy de la Habana
02.Los Caramelos
03.Dile a Catalina
04.De Una Manera espantosa
05.Homenaje a Benny More
06.Por Culpa del Güao
07.Chorrino
08.Yemaya
09.La Explosion
10.San Francisco
11.Feliz Cumpleanos
12.Descarga

miércoles, 17 de abril de 2013

Arturo Sandoval - Arturo Sandoval





Arturo Sandoval (Artemisa, 6 de noviembre de 1949) es un trompetista y pianista cubano de jazz. Sandoval ha recibido 9 premios Grammy y ha sido nominado 17 veces. El tambien ha ganado 6 premios Billboard y un premio Emmy.

Sandoval comenzó a estudiar música a la edad de 13 años. Tras probar suerte con varios instrumentos musicales, finalmente se decidió por la trompeta.
Después de su servicio militar ayudó a fundar el grupo Irakere con el saxofonista Paquito D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, y se convirtió en el conjunto de jazz más importante de Cuba. Tuvieron un gran éxito mundial y su presentación en 1978 en el Festival de Jazz de Newport en Nueva York los introdujo al público americano. Tras este éxito, huyó de Cuba y vivió autoexiliado en Miami, donde se convirtió en profesor de la Universidad Internacional de Florida y pronto grabó su primer disco en EE. UU. con el título: "Flight to Freedom" para el sello GRP.
El gran talento musical de Sandoval ha sido asociado con muchos músicos, pero sin duda el más importante sería Dizzy Gillespie a quien Sandoval considera su padre espiritual. Gillespie es considerado como uno de los grandes difusores de la música afro-cubana, y fue determinante en la posterior carrera de Sandoval. Los dos músicos se conocieron en Cuba en 1977 cuando Gillespie hacía actuaciones improvisadas por el Caribe con el saxofonista Stan Getz. Debido a la situación política, Cuba había estado aislada de los músicos americanos durante varios años. Gillespie quería saber qué clase de música se hacía allí, entre otras su guaguancó. Sandoval se ofreció de particular cicerone musical, y posteriormente le confesaría que él mismo también era músico.

Arturo Sandoval en el Hard Rock Cafe, de Times Square, NYC.
Además de su larga trayectoria en el mundo jazzístico, Arturo Sandoval tiene también una carrera musical como intérprete clásico. Su grabación "The Classical Álbum", contiene conciertos para trompeta de Hummel y Mozart así como su propio Concierto Para Trompeta y Orquesta. Sandoval ha participado como compositor e interprete en varias bandas sonoras de cine, como "Vampiros en La Habana I", "La Familia Pérez", "Los Reyes del Mambo" y "La Habana". La propia vida de Sandoval también fue llevada al cine en el año 2000 e interpretada por Andy García, con el título "For Love or Country: The Arturo Sandoval Story". Este drama biográfico fue producido por HBO.


En abril de 2006, Arturo Sandoval abrió un local musical en Miami Beach con el nombre de The Arturo Sandoval Jazz Club. Por su escenario han pasado desde artistas locales hasta figuras internacionales del mundo del jazz como Joshua Redman, Roberta Flack, Roy Haynes, Omar Sosa, The Bad Plus, Moe Goldstein y Danilo Pérez o el mismo Sandoval. En Cuba, Sandoval, aunque recordado con cariño por las generaciones mayores, ha recibido numerosas críticas por su fuerte oposición al concierto que ofreció el cantante Juanes en La Habana._wikipedia.org




Arturo Sandoval - Arturo Sandoval (1989)

Temas:
02.Lamento Borincano
03.Como Llora Una Estrella
04.Te Quiero
05.A Mi Manera
06.Penelope
07.Almendra
08.Aguas De Marzo
09.Rabo De Nube

martes, 16 de abril de 2013

Clare Fischer – Rockin' In Rhythm





Nacido 22 de octubre 1928 en Durand, Michigan, Clare Fischer es un músico extraordinariamente versátil, un maestro con muchas musas. Formado en los clásicos, inspirado por artistas de jazz, curadas por los ritmos de la música latina y brasileña, su sonido ecléctico se expresa en cada cuadro y el instrumento que toca.
Un veterano músico de estudio y compositor de rara calidad, Fischer comenzó sus estudios en Grand Rapids, Michigan, en South High School con el director de la música, Glenn Litton. Después de recibir su título de maestría en la composición de la Michigan State University, donde estudió con el Dr. H. Owen Reed, él viajó extensivamente con "The Hi-Lo" como pianista y director de orquesta durante 5 años. Casi al mismo tiempo, su musical ascensión comenzó con sus arreglos aclamados por la crítica de Dizzy Gillespie influencias de Fischer, absorto en el camino, son tan distintos como la música "A Portrait of Duke Ellington.": Stravinsky y Shostakovich, Bartok y Berg, Dutilleux, boogie-woogie pianista Meade Lux Lewis, Nat "King" Cole, Duke Ellington, Bud Powell y principios de Lee Konitz - Fischer la auto-expresión no tiene límites.
"Me identifico con todo", explica. "Yo no soy más que jazz, latín, o clásica. Soy realmente una fusión de todas las personas, no de fusión de hoy, pero mi fusión ".
En 1983, concierto de música clásica artista Richard Stoltzman Fischer encargó de escribir una obra sinfónica con Duke Ellington y Billy Strayhorn temas. La composición resultante, "El Duque, Swee'Pea y Yo", cuenta con Stoltzman en el clarinete y se realiza con las orquestas sinfónicas de todo el mundo. Más recientemente Fischer fue encargado por Stoltzman a escribir una "Sonatina para clarinete y piano" en tres movimientos, que ha grabado con RCA en su álbum, "Clarinet americano" y está siendo publicado por Advance Music en Alemania.
En 1986, Clara ganó su segundo Premio Grammy - éste por su álbum "Free Fall", la primera se ganó en 1981 por su álbum ". Salsa Picante plus 2 + 2" Desde entonces ha pasado más tiempo en educador de jazz, realizando conciertos como solista de piano y la realización de clínicas y clases magistrales en universidades y conservatorios de música en Escandinavia, Europa y en los Estados Unidos.
En los últimos años, Clare ha aparecido en París, Suiza, Croacia, Finlandia, Noruega, Alemania con la WDR Big Band, Holanda con la Orquesta Metropole, Austria, en Graz y en el Konzerthaus de Viena y en la Ciudad de México en el Ollin Yolítzli Concert Hall en un concierto en conmemoración de la música de Antonio Carlos Jobim en el aniversario de su muerte en diciembre de 1996. En 1998 también se presentó en el Festival de Choro con Hélio Delmiro en Sao Paulo, Brasil y regresó en julio de 2000 para una gira por tres ciudades de ese país con Delmiro.
Además de Dizzie Gillespie, Fischer ha escrito para Cal Tjader, George Shearing, Diane Schuur, Natalie Cole, Prince, Chaka Khan y Rufus, El Jacksons, Earl Klugh, Prince, Robert Palmer, Paul McCartney, Michael Jackson, Spike Lee, João Gilberto, Paula Abdul, y más recientemente, Brian McKnight, Belle Regina, Spencer J., Whitfield normando, Branford Marsalis, Tori Amos, un grupo francés - "Tablas", un grupo japonés - "Canta como Hablar," Vanessa Williams, Brandy, Tony! Toni! Tono! y muchos otros. Sus arreglos para cuerdas son realmente una revelación.
Desde que comenzó su carrera profesional, Fischer ha grabado más de 45 álbumes como líder y ha arreglado, compuesto y / o reproducir en otros 100 álbumes más para los artistas de grabación. Su discografía se lee como un "Quién es quién" de la industria discográfica. Versiones más recientes incluyen "Clare Fischer Jazz Corps", un álbum de big band formada por 20 de bronce, 6 instrumentos de viento más ritmo, y "Simbiosis", grabado con Helio Delmiro a la guitarra sin amplificación brasileño y Clara en el piano digital. En enero de 2001 Fischer sacó su CD de música clásica en primer lugar, "After the Rain", compuesto enteramente de sus propias obras sinfónicas. Esto fue seguido de sus últimas grabaciones, "en una nube Turquesa", en 2002 con un coro clarinete completo "introspectivo", una grabación de piano solo en 2005, y en 2006 su última grabación coro clarinete, "Un asunto de familia".
En diciembre de 1999 Michigan State University School of Music conferido un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes en Clare en reconocimiento a su "creatividad y la excelencia como un compositor de jazz, arreglista e intérprete."
Clara tiene tres hijos adultos; Lee, Brent y Tahlia. De los tres, es Brent que se ha convertido en el compositor de continuar la tradición de escritura de su padre, y él es también el bajista habitual de Clare, así como su manager.
En cuanto a este álbum en particular, Clare escribe: "Cuando la gente piensa de Latin-Jazz, invariablemente se refieren a los ritmos de Cuba. Igualmente importantes son los de Brasil, que constituyen una parte importante de este álbum. Sin embargo, no considero que puedo jugar "cubano" o "brasileño" la música, sino que utilizo el sentimiento de ambos para mis propios fines. A la luz de este enfoque personal, usted encontrará música en lugares inusuales.
"Considero que 'Clare Fischer and Friends" (seis cantantes y todos los músicos) son parte de un grupo. Esto no se considera un grupo de cantantes de respaldo músicos - somos todos uno. Este es un álbum de jazz y las voces se convierten en instrumentos en relación al grupo.
"Espero que disfrute de esta música. Tuve un tiempo maravilloso poner juntos "._Clare Fischer



Ever-creativo tecladista y compositor Clare Fischer está de vuelta con otro gran tema de inspiración latina, llena de melodías fuertes y ritmos infecciosos. La sesión incluye seis cantantes que se aplican las voces-como-los instrumentos de la Hi-Lo de sonido a los gráficos originales y éxitos de jazz.

Inventiva Fischer fusión de "Take the ATrain" con una canción brasileña " O Pato "que tiene los mismos cambios de apertura crea un surco alegre en "O Pato Takes A Train". La canción se juega en cubano de 6/4, mientras que la norma "Speak Low" se da una firma 3/2. Cada pista es una jubilosa celebración de la música latina, con las notas del trazador de líneas de Fischer proporcionar una guía para escuchar valioso. Sexteto La sesión incluye Don Shelton, anteriormente con el Hi-Lo y Singers Unlimited, que tanto canta y toca cañas, hijo de Fischer, Brent, en el bajo eléctrico, el guitarrista John Pisano y percusionistas Walfredo Reyes y Michito Sanchez._Patricia Myers

Más información relacionada




Clare Fischer – Rockin' In Rhythm (1997)

Temas:
01.O Canto
02.Speak Low
03.O Pato Takes A Train
04.Rockin 'in Rhythm
05.Blues At Play
06.Donde
07.Passarinho
08.Sakura
09.Dance the Samba With Me
10.Baroque
11.Moleque

Musicos:
Clare Fischer (piano, teclados)
Stillwell Terry, Jaree Angie, María Hylan (soprano)
Gary Jones, Don Shelton, John Bahler (tenor)
John Laird, Gene Morford (barítono)
Bob Joyce (bajo voz )
John Pisano (guitarra)
Dick Mitchell (flauta)
Don Shelton (instrumentos de viento)
Robert Findley, Ford Larry, Larry Sala, Tony Terran (trompeta);
Morris Repasss, Bill Watrous, Charles Loper (trombón)
Juan Peña, Brent Fischer (bajo eléctrico)
Walfredo Reyes (batería y percusión)
Claudio Slon (batería)
Michito Sánchez (percusión)


domingo, 14 de abril de 2013

Clare Fischer & Salsa Picante– Crazy Bird




Clare Fischer tuvo una carrera variada como teclista, compositor, arreglista y director de orquesta. El compositor de dos normas, "pensativa" y "Buenos días," Fischer tenido durante mucho tiempo un interés en los ritmos latinos. Después de graduarse de la Universidad Estatal de Michigan, se mudó a Los Ángeles en 1957, trabajando como acompañante y arreglista de la Hi-Lo. Escribió para un álbum de 1960 Dizzy Gillespie (A Portrait of Duke Ellington) y se registró la bossa nova ya en 1962, ese mismo año grabó dos conjuntos trío y al año siguiente llevó a su primera cita big band. Fischer, que alternaba entre los dos formatos a través de los años, registrado en una amplia variedad de configuraciones de piano a la partida una vocal dominado por Latin Salsa Picante grupo. 
Con sede en Los Angeles, Clare Fischer (que también es un organista eficaz y un teclista eléctrico fuerte) registró extensivamente a través de los años para sellos como Pacific Jazz / World Pacífico, Apocalipsis, Discovery, MPS, y Concord. En 2003, produjo su CD de música clásica en primer lugar, después de la lluvia. Clare Fischer murió el 26 de enero de 2012 a un hospital de Burbank, California, tras sufrir un ataque al corazón hace dos semanas. Tenía 83 años de edad.~ Scott Yanow

Más información relacionada






Clare Fischer & Salsa Picante– Crazy Bird (1984)

Temas:
01.Bernie's Tune
02.Where Are the Children? (Ay, los Pequeños)
03.Serenidade
04.La Mucura
05.Crazy Bird (Pájaro Loco)
06.Solar Patrol (Patrulla Solar)
07.Canto Africano
08.Pavillon

Musicos:
Clare Fischer-Organ, Liner Notes, Piano (Electric)
Brent Fischer-Percussion, Bass (Electric), Marimba, Vibraphone
Jeff Berlin-Bass (Electric)
Danny Embrey-Guitar (Electric)
Michito Sánchez-Conga
Luis Conte-Percussion, Bongos, Conga
Walfredo Reyes-Percussion, Drums
Brian Kilgore-Percussion
Dick Mitchell-Flute, Sax (Soprano)
Bill Watrous-Trombone
Rick Zunigar-Guitar (Electric)

sábado, 13 de abril de 2013

Guillermo Klein – Live In Barcelona




Guillermo Klein es un pianista talentoso y muy original y compositor de Argentina que es el más conocido por liderar su grupo Los Guachos. Nacido en 1970, empezó a tocar el piano cuando tenía 11 años, componiendo sus primeras canciones del año siguiente. Klein, quien considera Astor Piazzolla para ser su primera influencia, jugó a nivel local, y después de graduarse de la escuela secundaria, él tocó la guitarra en una banda de rock. En 1990 se trasladó a Boston para estudiar en el Berklee College of Music. Su intención original era estudiar y escribir la música clásica, pero pronto descubrió el jazz, sobre todo las grabaciones de Wayne Shorter. Además de Piazzolla y Menor, Klein está fuertemente influenciado por su patrimonio argentino en general, sobre todo en su escritura, que puede combinar boleros, barroca, jazz straightahead, tangos y ragas. En 1994 se formó una big band, Los Guachos, que jugó en el Small en una base semanal durante el período 1995-2000, además de realizar durante un tiempo en la galería de Jazz. Klein grabado tres CDs con Los Guachos de Sunnyside y Fresh Sound, que documenta su escritura única y piano colorido. También trabajó con Kurt Rosenwinkel y de vez en cuando llevó a su propio trío. En 2000, Klein regresó a Argentina y se estableció en Barcelona, ??España en 2002. Es profesor en San Sebastián, lleva a cabo a nivel local y todavía visita a los EE.UU. de forma ocasional. Klein actualmente lidera un septeto que cuenta con Jorge Rossy en los teclados y percusión, un saxofonista, cello, contrabajo, batería y cantante.
--------------------------------------------------


La llegada del músico argentino Guillermo Klein en Barcelona en 2003 fue bien recibido por la comunidad de jazz de la ciudad. Esta recepción era bueno, sin embargo, no es sorprendente dado el prestigio que Guillermo disfrutado en Nueva York como compositor, arreglista y director de su banda Los Guachos. En Barcelona actualmente toca el piano con grupos como los de Giulia Valle y Joe Smith y ha creado su propia banda, que cuenta con Gorka Benítez, David Xirgu y Carme Canela, entre otros. 
En otoño de 2004, Guillermo volvió a Nueva York para realizar con Los Guachos. Dos monthes de tarde, fue invitado a tocar con Los Guachos en el Festival de Jazz de Barcelona 36a. Para una ocasión tan especial, Juan de la Cruz Urquiza y Richard Nant en avión desde Buenos Aires, Chris Cheek, Bill McHenry, Haskins Taylor, Tomasi Sandro, Jeff Ballard y Ben Monder vino de Nueva York y Fernando Huergo de Boston. 
Guachos Los unieron por dos artistas. regulares Fresh Sound New Talent, Gorka Benítez y Carme Canela. 
El resultado fue un concierto intenso y brillante que tuvo lugar en el ambiente acogedor de la sala Luz de Gas.

Revisiones: "tejidas con el colorido tapiz de un completo orquesta de jazz, esta grabación en directo en Barcelona capta la música del argentino Klein pianista / compositor Guillermo, quien es conocido por su música cerebral, progresista y rica culturalmente. El concierto fue capturado en la intimidad de la sala Luz de Gas Teatro-hall y que transmite cercanía entre los músicos y un público entusiasta. El rango de composiciones altamente orquestada desde la pieza de apertura gaucho-tica "Blues de Liz" a las vibraciones de la calle de "Juana" y el romanticismo de "Ojos Cerrados", con la cantante Carme Canela. 

Klein usa su orquesta en todo su potencial. La música cambia a través de muchas formas, como a lo largo de las líneas surrealistas de "Intercambio Moral", donde el piano y otros instrumentos proporcionan notas disonantes detrás de la melodía sombría. El ritmo de baile de "Child's Play" es enhebrada con un riff de guitarra funky,. "Chucaro", cargado de arreglos de vientos complejas, trabajo flauta hermoso y percusión rica Las complejidades de las habilidades de escritura de Klein son capturadas en "Richard", con su obra horn en movimiento, además de la voz, y detallado . patrones melódicos y solos Hay muchos esfuerzos individuales memorables, pero el acento es sin lugar a dudas en la orquesta como un todo, que es plenamente consciente de su papel a través del uso ingenioso de Klein de la música y la interpretación de capturar la imaginación de uno. "_Mark F. Turner 



Guillermo Klein – Live In Barcelona (2005)

Temas:
01.Blues De Liz
02.Con Brasil Adentro - Fuga X
03.Juana
04.Child's Play
05.Intercambio Moral
06.Chucaro
07.El Espejo
08.Ojos Cerrados
09.Richard
10.El Camino
11.La Última
12.Flores

Musicos:
Guillermo Klein (p, vcl)
Chris Cheek (ts, ss)
Bill McHenry (ts, ss)
Gorka Benítez (ts, f)
Sandro Tomasi (tb)
Taylor Haskins (tp)
Juan Cruz de Urquiza (tp)
Ben Monder (g)
Fernando Huergo (b)
Richard Nant (tp, perc)
Jeff Ballard (d)
Carme Canela (voz)

viernes, 12 de abril de 2013

Orquesta Riverside - A Divertirse Con La Riverside




Orquesta Riverside, también conocida como Havana Riverside. Es una Agrupación musical cubana fundada en La Habana en 1938, bajo el formato de jazz band por el compositor, violinista y director de orquesta Enrique González Mántici. Llegó a tener gran popularidad en la Isla durante las décadas de 1940 y 1950 en las que se presentó en los principales circuitos comerciales de la Isla y realizó varias giras internacionales.
En las décadas de 1970 y 1980 del pasado siglo, animó interrumpidamente fiestas bailables en La Habana y fuera de la capital cubana e hizo giras a Colombia, Venezuela y Finlandia. Durante esa etapa mantuvo su habitual y frecuente presencia en la radio y la televisión. Tanto así, que ha sido considerada la orquesta cubana con más largo tiempo de permanencia y difusión ininterrumpida en los programas de medios de comunicación de la Isla.
En la actualidad la Riverside la conforman jóvenes graduados las academias musicales cubanas bajo la dirección del Raúl Nacianceno.

La orquesta se fundó en el mes de agosto de 1938 cuando un grupo de jóvenes músicos cubanos se agruparon en el formato de una jazz band bajo la batuta del compositor, violinista y director Enrique González Mantici. El nombre escogido para la agrupación fue Havana Riverside.
A partir de ese año la popularidad de esta agrupación musical creció y se hizo presente en los medios de difusión y centros bailables y de entretenimiento existentes. La orquesta Riverside llegó a ser una de las más aclamadas de Cuba durante las décadas de 1940 y 1950 y realizó giras por Centro y Sudamérica con gran éxito, acompañando a figuras nacionales y extranjeras del canto.
Rápidamente surgió el interés de las disqueras por grabar sus éxitos. Firmas con renombre en la época como Puchito y Panart llevaron al acetato los éxitos de la orquesta, lo que contribuyó a aumentar su popularidad.
En la parte vocal varios cantantes a lo largo de la historia tuvieron mucho éxito en la orquesta, aunque la voz más relevante de todas fue la de Tito Gómez, quien por más de 30 años lideró esta cuerda.
Decenas de buenos músicos durante años desfilaron por su nomina. En cuanto a sus directores, después del fundador Enrique González Mantici, la Riverside fue liderada por Antonio Sosa, y en 1947 pasó a estar bajo la batuta del saxofonista Pedro Vila, quien supo en su etapa llevarla a planos más estelares. Posteriormente pasó a ser dirigida sucesivamente por Argelio González, el gran pianista y compositor Adolfo Guzmán y por Nelson Arocha Enseñat, pianista que imprimió su sello de gran arreglista. De manera ocasional la orquesta fue conducida varias veces por destacados músicos cubanos o extranjeros como Agustín Lara. En diferentes momentos la orquesta estuvo integrada por:

Saxofones: René Ravelo, Gregorio Brenes, José Simpsonn, Raúl Nacianceno Mijares, Miguel Antuña Benítez y Roberto Arocha Morales
Trompetas: Marcos Urbay, Enrique Osorio, José Martínez Daussac, Mario del Monte Cossío, Armando Galán Alfonso
Trombones: Emilio Temprano y Roberto Morell del Campo
Batería: Edgar Díaz, Sergio Núñez Molina y Rolando Piloto Álvarez
Contrabajos: Orlando López (Cachito) y Roberto Martínez Capote
Bongós: Baudilio Carbonell.
Piano: Pedro Jústiz (Peruchín)
Tumbadora: Pedro Soroa y Ángel Fernández de la Osa
Guitarra: Carlos Montero Bello
Cantantes: Alberto Ruiz, Tito Gómez y Orlando Montero Maldonado. 

En las décadas de 1970 y 1980 del pasado siglo, animó interrumpidamente fiestas bailables en La Habana y fuera de la capital cubana e hizo giras a Colombia, Venezuela y Finlandia. Durante esa etapa mantuvo su habitual y frecuente presencia en la radio y la televisión. Tanto así, que ha sido considerada la orquesta cubana con más largo tiempo de permanencia y difusión ininterrumpida en los programas de medios de comunicación de la Isla.
La Orquesta tuvo una presencia habitual entre las agrupaciones que animaban el cabaret Tropicana y el Parisienne del Hotel Nacional y el Caribe del Hotel Habana Libre.
En el año 1993 por la dífícil situación económica del país la posibilidad de trabajo y contrato se vio disminuida y hubo una dispersión de muchos de sus músicos. Algunos marcharon a emprender otros proyectos personales, dentro y fuera del país y la orquesta Riverside se desintegró.
Raúl Nacianceno Miyares, quien fuera uno de sus puntales saxofonistas decidió rescatar la orquesta y tras años de arduo trabajo de rescate del repertorio y organización musical, emprendió la paciente tarea de ir transcribiendo a partir de grabaciones, pieza por pieza e instrumento por instrumento, respetando la tradición. Con ese trabajo listo presentó el poyecto al Ministerio de Cultura quien apoyó inmediatamente la idea y la orquesta se reconstituyó.
En la actualidad la Riverside la conforman jóvenes graduados las academias musicales cubanas bajo la dirección del Raúl Nacianceno. Los temas y arreglos son los mismos de antes y así se busca que permanezcan. Los temas de la orquesta se caracterizan por el respeto a los diferentes sectores sociales, especialmente la mujer, en contraposición con otras tendencias musicales contemporáneas quela denigran._ecured.cu 




Orquesta Riverside - A Divertirse Con La Riverside 

Temas:
02.Cuchi Cuchi
03.Lo Veras, Alla Tu
04.Amorosa Guajira
05.Danzoneando
06.Hasta Mañana Vida Mia
07.No Sera Mucho
08.Como Me Siento Amor
09.Cha-Cha-Cha Bururu
10.Concierto De Primavera
11.Locuras Del Cha
12.Batanga A La Española 


Información cedida por Osvaldo M.

lunes, 8 de abril de 2013

Johnny Conga – Oye!




Johnny Conga ha dado la impresión de que es un músico excepcionalmente tranquilo, lanzando un álbum, Skin Breaking en 2009 y ahora, Oye! . En realidad, sin embargo, tiene una larga carrera que abarca 45 años.

Lamentablemente, sin embargo, su reputación entre los conocedores y admiradores de jazz latino y sus modismos constituyente debe recaer sobre el patrimonio de estos dos álbumes. Su versión 2009 fue una revelación: Porque aquí fue un percusionista cuya habilidad y virtuosismo igualado si no se supera la mayoría de los jugadores de conga y ciertamente rivalizaba con algunos de los percusionistas que juegan hoy en día. Tres años después de aquel episodio Conga lanza su seguimiento. ¿Cómo funciona esta medida hasta ese primer álbum, explosivamente bella? Oye! es un álbum más sofisticado de uno de los percusionistas más talentosos que juegan hoy en día. De hecho, si algo es un registro infinitamente más musical, en la que el Sr. Conga ha aplicado toda su destreza, virtuosismo y el intelecto.
Esas son algunas de las características Conga Johnny tiene en abundancia. La prueba está en primer lugar en el repertorio que el Sr. Conga ha seleccionado para este álbum. Wayne Shorter tiene un lado América y el trombonista Conrad Herwig grabó un álbum maravilloso transcribir algunas de las cartas clásicas señor Shorter. Sin embargo Conga señor también ha sobresalido en una tarea de pocos se han atrevido a realizar: él ha hecho una transcripción hipnótico y majestuoso de Wayne Shorter "Footprints". La tabla tiene una cierta amenaza para cuando se juega en el saxofón, ya que es una incógnita cuyas huellas señor Shorter habla de; por el contrario estos podrían ser percibido como una cosa generacional como el señor Shorter habla de los ancestros musicales con profundidad y respecto pesado. Y así es exactamente como Conga Sr. trata esta carta clásica. Otro gráfico que es simplemente maravilloso es uno de Django Reinhardt menos conocidas cartas para que Tony Bennett escribió la célebre frase de la letra. Mientras que el Sr. Bennett trata la canción como una balada melancólica, Conga Johnny infunde la carta con una alegría bulliciosa. Esto es típico de la música Conga del señor y es evidente en las dos actuaciones en solitario en este disco.


"Mullaly Park-Bronx Rumba" y "Rumba y Guarapachangeo" se encuentran entre las mejores muestras de coloración rítmico aplicado a las texturas armónicas de canción. El hecho es que hay probablemente varios doblajes en ambas vías, pero a pesar de este dispositivo, el Sr. Conga ha logrado sacarle la actuación de su vida. De hecho, sobre la base de estos dos gráficos independientes Conga señor puede presumir de ser uno de los mejores jugadores de conga fuera de América Latina. Aquí lo cierto es que Johnny Conga ha absorbido el sonido y la esencia de sus antepasados ??espirituales con una gran profundidad. De hecho, no sería una falacia pretender escuchar Tata Güines en su forma de tocar como Conga señor es uno de los jugadores más melódico y musical alrededor. Por musculatura rítmica conga señor parece haber absorbido la angularidad de Patato Valdés y en los timbales, que pueden escapar a la influencia de Tito Puente?
Aún Conga Johnny ha conservado una voz singular, y esto puede ser escuchado en su homenaje licitación para Cal Tjader en "Mambo for Tjader". Originalidad Conga señor también puede ser confirmado por su sofisticado de blues cha cha chá, "Chablue". Estos dos gráficos fácilmente podría apuntar en la dirección de la próxima aventura de Johnny Conga: un álbum de originales, tal vez, porque ciertamente ha llegado el momento para Johnny Conga para dar expresión a las indicaciones de su alma profunda y emocionada._Raul da Gama


Más información relacionada






Johnny Conga – Oye! (2012)

Temas:
01.Cold Duck Time
02.Mambo Diablo
03.Sidewinder
04.Mullaby Park – Bronx Rumba
05.Chablue
06.Footprints
07.Quiet Stroll
08.Rumba y Guarapachangueo
09.All For You
10.Mambo for Tjader


Musicos
Conga Johnny: congas, bongos, timbales, vibráfono, cajón, guagua, clave, cencerro, güiro y coros
Mario Marrero: piano, contrabajo (2, 3, 5, 7, 10)
Fred Hoadley: piano (1, 6)
Sammy Alamillo: batería (1, 6)
Rick Houle: bajo (1, 6)
Steve Mostovoy: Trompeta (1, 2, 3, 5, 6)
Nathaniel Pablo: saxos, flauta (1, 2, 3, 5, 6, 7, 10)
Joe Cano: Guitarra (9)
Julio Jauregui: piano , synth bass (9)



El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

.

.

Mi lista de blogs