lunes, 30 de julio de 2012

Carles Benavent- Un, Dos, Tres...



El bajista Carles Benavent es un músico que es mundialmente respetado. Su trabajo con el guitarrista Paco de Lucía fue descubierto por Miles Davis y Chick Corea y sus grabaciones de inspirar a muchos músicos españoles que deambulan por los caminos del flamenco y la música de jazz.

Carles Benavent es ampliamente conocido no sólo como un reproductor de flamenco jazz bass, sino también como el creador del estilo flamenco bajo sí mismo. Durante sus 25 años de colaboración con Paco de Lucía, que forjó un estilo único de tocar ahora es ampliamente reconocido por la comunidad flamenca bajo.
Lo que Jaco Pastorius se convirtió en el estilo de jazz Carles Benavent se convirtió en el estilo flamenco.

Recorriendo el mundo en el que también ha cumplir y tocó con grandes artistas como Miles Davis, Chick Corea, Gil Goldstein, Michael i Randy Brecker, Pat Metheny, Alex Acuña, Don Alias...


Mas información relacionada





Carles Benavent- Un, Dos, Tres... (2011)

Temas:
01. Don
02. Bailas?
03. Novembre
04. Tirititran Catalán
05. Flamenquillo
06. Scenes D'infants
07. Punt I Final
08. Mario
09. Cara Bobo
10. A Solas

Musicos:
Carles Benavent-bass, electric and acoustic guitars
Roger Mas-acoustic & electric pianos
Roger Blavia-drums & congas

Musicos Invitados:

Jorge Pardo-flute (track 7)
Tino Di Geraldo-indian tablas (track 6)
Ravid Goldschmidt-hang (track 4)
Raynald Colom-rumpet (track 7)
Matthew Simon-trumpet (track 9)
Xavier Figuerola-tenor sax (track 9)
Sergi Vergés-tuba (track 9)

sábado, 28 de julio de 2012

Daniel Lopez Infanzon – 8 Momentos 8 Fotografias


Siempre será una de esas parodias de la historia que los intercambios culturales-especialmente aquellas de entre los musicales de Europa y el Oriente se inició con el Califato segundo (alrededor de 600 DC) y continuó hasta bien entrada la Edad Media, hasta las Cruzadas poner fin a todo eso " vivimos en una aldea global virtual ". Una farsa más sin embargo, es el desconocimiento de las culturas espléndidas nativos de las Américas, a pesar de cuatro de los más grandes viajes de descubrimiento por Cristóbal Colón, quien, al parecer puso el comercio y la Inquisición sobre todas las cosas. No es casual que las culturas de los cultivos llamados de América Latina no sólo sobrevivió a los conquistadores españoles, sino también-en el caso de Brasil, los portugueses también. La música del México contemporáneo, tal como se expresa por los genios modernos como Héctor Infanzón y su sobrino Daniel López, que a su vez está profundamente arraigada en los veracruzanos sones antiguos huastecos huapangos, chilenas, mambos y danzones es un ejemplo de ello. Daniel López Infanzón, de hecho, es un buen punto cuando sugiere que se esta Europa, incluso Bela Bartok e Igor Stravinsky podría haber encontrado este grano para su molturación musical. 
En cualquier caso, la música de 8 Momentos 8 Fotografias dispara hasta que la teoría mediante la producción de algunos de los más fascinantes melódico, armónico y, sobre todo, las invenciones rítmicas oído desde el gran bajista y compositor Charles Mingus produjo su exquisito "de Isabel Table Dance" en uno de sus muchos seminales América teñidas de álbumes, Tijuana Moods (Bluebird, 1962). Por supuesto, la influencia latina en el Jazz se evidenció mucho antes que eso, con Jelly Roll Morton, y luego, con las colaboraciones de clásicos entre Machito y Charlie Parker y Dizzy Gillespie, desde 1948 hasta 1954, que produjo The Original Mambo Kings, se escuchó en "El Afro -Cuban Jazz Suite "," La Suite Manteca "," Tanga "y mucho más. 
Pero al escuchar esta música de la fuente proverbial, como Daniel López Infanzón es como recibir un regalo maravilloso. El regalo es, de hecho, el ingenio de su musicalidad, específicamente Daniel López Infanzón del pianismo en el que la técnica sublime y un estilo desenfrenado con nuevas ideas y que fluye con las ideas parece ser la norma. Al igual que su tío, Héctor Infanzón su forma de tocar el piano es extrovertida y parece que él desnuda su alma en su música con la expresión hábilmente controlado, versatilidad deslumbrante y profundidad de la emoción. Su toque es ágil, a diferencia de muchos de los pianistas que salen de Cuba y otros países de América Latina, que favorecen un estilo más africanizada / percusión. Daniel López Infanzón juega más como él ha dominado un instrumento en el contexto europeo, como si, por ejemplo, se desarrolló desde el clavecín. En este sentido se puede comparar sólo en la técnica a pianistas como Bill Evans, Herbie Hancock, Chick Corea y Keith Jarrett. Sin embargo, su voz es singular y vivaz. Para tener una medida exacta de lo que esto significa que la pista, "El Gágago (Parillo Mexicano)" debe ser escuchada con los ojos cerrados y el alma abierta. Mientras la música se deja en el descubrimiento de una voz que es como la de una hermosa ave cantora hace un asalto ágil en lo más profundo de esa parte invisible del ser humano, con lo que el éxtasis de una manera inconmensurable. Por supuesto esto es sólo una de las cartas que encanta el espíritu, como una cuestión de hecho, cada uno de los 8 Momentos es fascinante en su propio camino. Todos ellos tienen sus raíces en los ritmos folclóricos y bailes que tienen el cuerpo balanceándose y balanceándose y bailando, incluso si se considera que estar en posición sentada. Pero hay algo más fascinante de este álbum que merece mencionarse aquí y que se encuentra en el pueblo de contenido el contenido rítmico, que es específica de esta música. Esta es la música de México, un país no en el sur o en América Central, pero en la América continental. Los ritmos de los huapangos son tan similares a la del joropo del Perú y la chacarera de Córdoba, Argentina, que parece que hay una larga línea rítmica que se extiende desde México (tal vez cada vez más al norte, en algunas partes de EE.UU. continental nativa) a través de casi todo del Sur y América Central, incluyendo, en algunos casos, incluso Brasil. Escuchando "Aquí y Ahora" y el espectacular "Hijita Mia" proporcionará una prueba de este hecho emocionante. Y por último está el trabajo en este álbum en sí. Es la música del genio inmenso y digno de un Infanzón, que debe ser, por ahora, convertido en un embajador cultural de la música de México, si su tío estimada abdica en su favor.~Raúl da Gama (latinjazznet.com)



“Daniel López Infanzón Latin Jazz Quinteto” / 8 Momentos, 8 Fotografías.
Uno de los proyectos mas destacados,propositivos y explosivos de los últimos años,con un perfecto balance entre el virtuosismo del Latin Jazz, la creatividad del Rock Progresivo y el sabor de la música Mexicana, al mando de uno de los jóvenes pianistas mas importantes del Latin mexicano.
“Desde hace mucho tiempo he sentido la necesidad y responsabilidad de contribuir al desarrollo y evolución de la música mexicana. Poniendo atención de lo que sucede a mi alrededor, veo con asombro un marcado interés general hacia culturas extranjeras, dejando a un lado la documentación y estudio de nuestro vasto acervo musical, para después, aunado a las influencias que cada quién haya acumulado, estar en posibilidades de dar nuestra versión de nuestra música en nuestro tiempo. En los últimos 60 años ya no se ha dado la misma cantidad de música mexicana que se daba desde mediados del siglo XIX hasta la época de oro del cine mexicano, dónde se aprecia un marcado interés de los músicos de dicha época por darle un desarrollo y evolución a nuestra música. El conocer y estudiar las obras creadas por grandes compositores y músicos, tanto mexicanos como de otras culturas, interesados en su propia música popular, es lo que me ha hecho tener una conciencia y visión muy clara, las cuales conforman la propuesta de este proyecto: La composición y fusión de las diversas culturas musicales de otras latitudes que me han influenciado y determinado, y en las cuales me siento con más capacidad de expresión; (el jazz, el latin jazz, el rock, la música afroantillana, brasileira, clásica), con la música mexicana. (los sones veracruzanos, los huapangos huastecos, las chilenas, e incluso los mambos, danzones, etc.) Dicha propuesta considero que es la más honesta que puedo concebir y aportar a la cultura musical de mi país, pues toda esta música antes descrita, es la que he oído -y vivido- en casa, en las calles, en las aulas de escuelas y salas de música, en los bares, salones de baile, y clubes nocturnos, desde que nací hasta el día de hoy”. Cada uno de los temas que escucharán en este disco es un momento vivido, una imagen detenida, capturada y traducida en música. Son 8 Fotografías con Sonidos. 8 “Sonografías".



Daniel López Infanzón. / Pianista, Compositor, Productor,Arreglista.
Daniel López Infanzón nace el 21 de Marzo de 1979 en la ciudad de México D.F.
Inició sus estudios de Piano en 1989 con el gran pianista mexicano Héctor Infanzón y posteriormente ingresa a la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México en 1992.
En 1999 participó en el 2do. Seminario Internacional de Jazz de la Universidad Veracruzana y del Berklee College of Music en Xalapa, Veracruz, tomando clases con: Dave Weigert, Frank Wilkins, Bob Doezema, Daryl Lowery, Bob Pilkington, y Richard Appleman.
A partir de entonces ha sido constante la búsqueda para darle una identidad a la música que compone, al combinar toda la influencia de géneros que lo han determinado, desde el jazz hasta el latin jazz, desde la música afrocaribeña hasta la música de cámara, el progresivo, el pop, la música brasileña, para finalmente regresar a la música mexicana.
A partir de 1999 empieza a participar en proyectos de Jazz y Latin jazz con muchos de los mejores músicos del país:con Armando Montiel en sus clínicas para Toca, con Mario Garcia en las clínicas de Yamaha, con la Big Band Jazz México, la Zinco Jazz Big Band, la PapaBeto Jazz Big Band, con Waldo Madera, Enrique Nery, Pepe Hernández, Agustín Bernal, Cristóbal López, Roberto “Betuco” Arballo, Giovanni Figueroa, entre muchos otros.
También ha tocado con grandes músicos reconocidos internacionalmente como:Sheila E. (Baterista y percusionista de Ringo Starr,Prince,etc.), Oscar Stagnaro (Bajista peruano de Paquito de Rivera, profesor del Berklee College of Music), Kiyoshi Kitagawa(Contrabajista de Makoto Ozone y Kenny Barron),entre otros.
En 2008 crea su propio grupo "Daniel Lopez Infanzón Quinteto" e invita a formar parte del mismo a: Paco Godoy en la Batería, Aleph Castañeda en el Contrabajo, Ismael Barrientos en el Bajo, Leo Corona en la Percusión y a uno de los mas importantes Saxofonistas y Flautistas que ha dado México,el Maestro Jako González.
Ha participado en diferentes Festivales Nacional e Internacionales como: El 2do. Encuentro Internacional JazzFest de Xalapa en 1999, 1er. Festival Internacional de Jazz de San Luis Potosí en 1999, Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México en 2004, Macau International Music Festival en China 2007, Dance and Music International Festival en Bangkok, Thailandia 2007, el Tanzsommer Dance and Music Festival en Innsbruck, Austria en 2008, en los Festivales de Jazz de la Escuela Superior de Música del INBA de 2009 y 2010, entre otros.
El proyecto de Daniel fué electo mediante concurso para recibir el apoyo de una beca que ofrece anualmente el Gobierno de México a través de el FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes) y el CONACULTA en 2009, vía el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales , y el resultado es el primer CD del Quinteto titulado: 8 Momentos, 8 Fotografías.
Además de su actividad dentro de la escena jazzística nacional, Daniel también es muy solicitado como pianista, tecladista y/o director musical de una gran cantidad de importantes artistas en la escena musical comercial de México, así como de espectáculos musicales de proyección internacional de los más diversos estilos tales como: Lila Downs, Emmanuel, Jarocho, Armando Manzanero, Eugenia León, La Maldita Vecindad, Susana Zabaleta, entre otros.






Daniel Lopez Infanzon – 8 Momentos 8 Fotografias (2011)

Temas:
01. Aquí y Ahora
02. Torito
03. Hijita Mia
04. Intriste
05. La Casa Vieja
06. El Gágago (Pajarillo Mexicano)
07. Nostalgia
08. Frontera Norte

Musicos:
Daniel López Infanzon: piano
Jaico González: saxofones, flautas, EWI
Aleph Castañeda: contrabajo (2 - 4, 6, 7)
Ismael Barrientos: bajo eléctrico (1, 5, 8
Paco Godoy: batería
Leo Muñoz Corona: percusión
Giovanni Figueroa: tambores (8)
Isidro Martínez: trompeta (8)
Juan Ramos: saxo tenor (8)
Esteban Rivera: trombón (8)
Luis Felipe Luna: jarana (6)

martes, 24 de julio de 2012

Orquesta Ritmo Oriental-La Ritmo Te Esta Llamando



La Orquesta Ritmo Oriental ha tenido una carrera de mas de cuatro decadas. Aunque su formato es de una Charanga, fueron unos de los mas inovativos en intruducir sin parches otros estilos en forma brillante ha lo que despues se le llamo Songo en los anos 60'. Sin duda este grupo ha sido unos de los mas influyentes en el desarrollo de la musica bailable contemporaria en Cuba...

La Orquesta Ritmo Oriental es una de las más infravaloradas y poco investigado en la historia de los grupos de música cubana. A diferencia de Van Van e Irakere, no hay EGREM "Colección" de serie a la crónica de su discografía y no DVDs largo recuento de su historia biográfica y entrevistando a sus miembros sobrevivientes. A diferencia de Arsenio Rodríguez, Beny Moré, Chano Pozo y Sexteto Habanero, no hay meticulosa Cristóbal Díaz Ayala discografía o documentado amorosamente caja de Clásicos
Tumbao Cuba. "La Ritmo" fue tan innovador e influyente, prolífica y musicalmente brillante como cualquiera de los grupos anteriores, pero su trabajo se sumidos en la oscuridad casi total si no fuera por los heroicos esfuerzos de un puñado de gente como Ned Sublette (Documentos QBADisc), Brett Gollin, Holanda Rob, John Santos, Michael Spiro, Karakas Martín, Víctor Barrientos, Emilio Vanvanedes, Danilo Lozano, Emiliano Echeverría, Osvaldo Martínez, David Cantrell, Spates Burrell, Luis Carranza y Schultz. Ahora bien, algunas partes clave de la discografía de Ritmo Oriental sólo están disponibles en vinilo raros o perdidos y hay otras de las principales insuficiencias que siguen siendo un misterio total. Esto es lo que hemos sido capaces de reconstruir con la ayuda de Brett Gollin y un misterioso musicólogo Habana llamado Cristóbal...Seguir leyendo

Más información relacionada



Orquesta Ritmo Oriental-La Ritmo Te Esta Llamando (1988)

Temas:
01.Nena, Así No Se Vale        
02.Yo Traigo Panatela        
03.Que Rico Bailo Yo        
04.Maritza        
05.La Ritmo Suena A Areito        
06.La Ritmo Te Está Llamando        
07.Maria Baila El Son        
08.El Que No Sabe, Sabe        
09.Advertencia Para Todos        
10.Si No Hay Posibilidad Me Voy


Información cedida por Osvaldo M

domingo, 22 de julio de 2012

Lino Borges - Ultimos Exitos de Lino Borges


Severo Alberto Borges Abreu, de extracción campesina, nació en Batabanò, Cuba, el martes 8 de agosto de 1933. Se desempeñaba como recogedor de berro y en los descansos, sus compañeros de faena le pedían que los complaciera con sus interpretaciones.
A los 16 años de edad lo haría ya como profesional con la orquesta de J. R. González, en la que estuvo varios años. Después cantó con los conjuntos Universal, de Melena del Sur, Casablanca, Casino, Rumbavana y Saratoga. Con este último conjunto permaneció durante 20 años, antes de convertirse en solista.
Lino Borges, bolerista por antonomasia, fue sepultado en su natal Batabanó, una pequeña localidad situada a 52 kilómetros de la capital cubana, localidad a la que siempre guardó fidelidad, por lo que su sepelio constituyó una sobrecogedora expresión de duelo popular. Sus últimas presentaciones fueron en el Salón Bolero (Dos Gardenias), en cuya programación era una figura estelar.Cuando falleció Lino Borges, como era el nombre artístico por el que se conocía universalmente, se dijo “se nos fue Lino Borges, la voz del bolero. Cuba había perdido una de las figuras emblemáticas entre los cantantes de boleros de la isla, que interpretó como nadie temas como “Vida consentida” y “Corazón de cristal”, dos de sus emblemáticos y más grandes éxitos.
Lino Borges, falleció los 71 años de edad. precisamente el 23 de agosto de 2003 en un hospital de La Habana, a causa de una afección pulmonar y fue enterrado en la intimidad familiar en su pueblo natal de Batabanó.
El cantante, quien desde hacía varios años actuaba en centros nocturnos, estaba preparando una gira por República Dominicana, que comenzaría en semanas cercanas a la fecha de su deceso. Algunos reconocidos artistas cubanos, como el cantante Ibrahim Ferrer, integrante del famoso proyecto musical “Buena Vista Social Club”, o la directora de orquesta Zenaida Romeu, manifestaron su pesar por la muerte de Lino Borges.
Musicólogos de la isla reconocen a Borges como uno de los más importantes cantantes masculinos del bolero en Cuba, junto a figuras como Vicentico Valdés, Abelardo Barroso, Pacho Alonso, René Cabell, Tito Gómez, Ñico Membiela, Fernando Alvarez, Orlando Contreras, Orlando Vallejo, José Tejedor y Roberto Sánchez, entre tantos buenos interpretes que dio la isla cubana.
Para los venezolanos este insigne bolerista constituyó toda una leyenda durante los años 1960 - 1970, pues fue el interprete de una de las canciones mas bellas dedicadas a lo más intimo del romance, compuesta por un venezolano, el Dr. Homero Parra, como lo es “Vida Consentida”, convirtiéndose en todo un éxito en latinoamerica y demás paises donde igualmente se habla el idioma castellano, elevando la condición de ídolo que incipientemente ya se veía en Lino Borges como cantante de boleros, ya que esa preciosa composición le sirvió de bandera para abrir sus presentaciones personales, amén de las cuantiosas ventas que de su grabación se hicieron, lo que le valió recorrer el mundo del espectáculo como toda una estrella deslumbrante del canto romántico.
Es pues para nosotros un especial acto de reconocimiento para quien hizo méritos más que suficientes para ganarse nuestro aprecio y por siempre considerarlo uno de los cantantes románticos más completos de su época, además de que a ello estamos obligados como venezolanos por haber logrado convertir la canción de don Homero Parra en todo un éxito internacional. Como especie de anécdota se ha escrito, y así lo hemos conseguido en inserto en Internet, que en 1960, el conocido empresario disquero José Pagès, dueño del sello disquero Velvet, luego de analizar diferentes voces interpretes del bolero con el objeto de observar quien de los que tenia dentro de su apreciable colección podía interpretar la canción de acuerdo con los arreglos que de ella se habían hecho, y que fue de esa forma como se decidió hacerle llegar a Lino Borges la grabación de Vida consentida, de Homero Parra, compuesta originalmente en tiempo de vals venezolano, pero arreglada para que la cantara como bolero, por considerar que se adaptaba perfectamente bien a su voz. El tiempo le dio la razón a don Jose Pagès, ya que el tema, una vez que saliò a la venta grabado en la voz de Lino Borges se convirtió en su primer gran éxito, trascendiendo fronteras e imponiéndose como un verdadero hit en varios países latinoamericano. Fue tal el impacto causado por tan bella canción que la misma le abrió las puertas para firmar un contrato para actuar en el Cabaret Nacional (San Rafael y Prado). Luego le siguieron Corazón de cristal, de Enrique Pessino; Moriré de amor, de Leopoldo Ulloa; y otros éxito.

Más información relacionada



Lino Borges - Ultimos Exitos de Lino Borges

Temas:
01.Decidete Ya
02.Te Lo Agradezco
03.Habla Tu Corazón
04.Tan Pobre De Amor
05.Volverás A Mi Lado
06.Serrana Mia
07.Huerfano De Amor
08.Sinfonia Nocturnal
09.Que Me Dejen El Rincón (Son Montuno)
10.Se Me Esconde El Corazón
11.Por Ser Abstinado
12.Concedeme Un Momento

Información cedida por Osvaldo M.

viernes, 20 de julio de 2012

Pedro Bermudez-No Limits



Pedro Bermúdez nació en Santurce Puerto Rico en 1976. A la edad de 10 años comenzó a estudiar piano y percusión. Comenzó a tocar como músico profesional a la edad de 16 años con muchos de la gran banda de salsa de Puerto Rico y Nueva York, tales como: Willie Rosario, Roberto Roena Y Su Apollo Sound, Jimmy Bosch, Orq Mulenze La y muchas grandes bandas. Influenciado por la música que su madre solía escuchar en la radio en casa (8 º LP "Track 7 cassettes) de Tito Rodríguez y Tito Puente a Sergio Mendes y Joao Gilberto que se interesó en el jazz y la música brasileña en el piano. Comenzó a estudiar con dos de dos de los grandes músicos de jazz locales de San Juan: Jochi Rodríguez y Rodríguez, Ismael. Pedro ganó una beca completa de Berklee College of Music en 2000. A principios de mediados de los 90 se mudó para los Estados Unidos para estudiar los conceptos de jazz, con énfasis de la composición y arreglos con los músicos del bebop como la leyenda de Jimmy calor, Andy Laverne, Hilton Ruiz, Marcos Levine, Bridgewater Cecil, Jim McNeely y Gary Dial...Seguir leyendo


El jazz latino término ha sido asimilado en el vocabulario moderno para describir un determinado género musical, a pesar de que son dos palabras distintas que puede estar solo. Tal es el caso, No Limits por el pianista Pedro Bermúdez. Se articula cada pista con su propia identidad con la música que no entra en ninguna categoría. Experto en tanto los idiomas latín y jazz, este disco muestra su talento como tal.

Bermúdez llegó a través de la escuela de salsa en Puerto Rico donde fue pianista de varias de las mejores bandas de la isla. Sin embargo, en No Limits no se detiene sólo en su maestría en el montuno de piano y acompañamiento de percusión, sino que escribió y arregló todas las canciones para demostrar su amplia gama de habilidades y las de sus músicos que lo acompañan. Hay
destellos de su mentor, Hilton Ruiz, que son evocados en algunos de sus solos de la balanza de pagos y de alta influencia carreras de vuelo, mostrando el talento este joven pianista posee.

Después de haber estudiado formalmente la música brasileña, Bermúdez teje la samba se sienten en varias selecciones como "Redentor" y "chorinho Para María", añade un ritmo frenético de "Bombaiao", y trae al cantante Ana Baiana en el clásico de Jobim "Caminos Cruzados". La banda se extiende sobre los tradicionales afro-caribeños números de "El Jarriero", que se abre con una inquietante tumbao bajo, y "Cha Iván", con el trabajo excelente saxofonista Iván Renta.
En esta su primera grabación como líder, Bermúdez ha intensificado con los altos estándares que han sido establecidos por los pianistas latinos, y lo tuvo en su propia dirección. Cada selección es más de cinco minutos, lo que deja espacio para el desarrollo del canto y no hay sentido de que la producción se apresuró, pero bien pensado y ejecutado con pasión y gracia. ~ James Nadal




Pedro Bermudez-No Limits 2010)

Temas:
01.Yubá A Santurce
02.La Número Siete
03.El Jarriero
04.ALC
05.The Dreamer
06.Bombaiao
07.Redentor
08.Chorinho Para María
09.Iván's Cha
10.Caminhos Cruzados
11.Offbeat
12.No Limits
13.Long Walk

Musicos:
Pedro Bermudez: piano, Fender Rhodes
Eddie Gomez: acoustic bass (5, 10, 12)
Ruben Rodriguez: bass (3, 4, 13)
Duduka Da Fonseca: drums, percussion (6, 8)
Ivan Renta: tenor & soprano saxophone (1, 2, 3, 4, 9, 11, 13)
Nelson Jaime "Gazu": trumpet (1, 3, 4, 13)
Richie Flores: congas (3, 7, 11)
Vince Cherico: drums (3, 4, 13)
Diego Lopez: drums ( 1, 2, 9)
Christian Rivera: congas (2, 9)
Carli Maldonado: timbal (9), congas (1, 4, 13)
Efrain Martinez: drums (4, 7, 10, 11, 12)
Gabriel Rodriguez: bass (7, 11)
Felipe Salles: soprano saxophone (6, 7, 8)
Mike Arroyo: acoustic and electric guitar (2, 8, 10)
David "Piro" Rodriguez: trumpet (11)
Ana Baiana: vocal (10)
Oscar Stagnaro: electric bass (1, 2, 6, 8, 9)


Información cedida por Ma rio Enríquez

miércoles, 18 de julio de 2012

Pedro Giraudo Orchestra – Córdoba




Córdoba es el nombre de una provincia argentina y su ciudad, pero el capital es aún más que eso para el bajista y compositor Pedro Giraudo, que Córdoba es una confluencia maravillosa de elementos rurales y urbanos, folklóricas tradiciones rítmicas y la escritura moderna de gran conjunto. Giraudo, se crió en Córdoba, y el ajetreo y el bullicio de la atmósfera de la ciudad es, sin duda en la exhibición en su música, pero eso es sólo la mitad de la imagen. Él pasó sus veranos viviendo una vida más sencilla en el campo y trae esta pacífica, el regreso a la actitud de la tierra a su música.
 
Si bien algunos podrían tener la tentación de llamar a esta agrupación de doce piezas una "pequeña gran banda," que el título se reduce el ámbito de la música de Giraudo. Su uso de la carena texturas instrumentales, coincidiendo riffs, cambiando terra voces solistas Firma e individualista ayuda a que su grupo una verdadera orquesta de jazz, en el mejor sentido del término. Giraudo tiene esta banda en un viaje revelador a través de su mundo, y cada miembro actúa como una pieza de un rompecabezas de colores. Esta odisea contiene impar medido música con sonidos intensamente vibrantes y ritmos de conducción ("Parte II", "Pueblo"), reflexiones llenas de gracia y de reflexión de carácter pacífico ("Latente"), y canciones que casarse con la personalidad Giraudo con una Maria Schneider- esque savoir faire ("Sol Naciente").

Bajo Giraudo es siempre en el centro de la acción, pero eso no significa que el centro de atención
esté siempre apuntando en su dirección. Es apto para robarse el show con un solo de bajo acústico ("Sol Naciente") o establecer la orquesta con un picante riff de bajo eléctrico ("Duende del Mate"), pero también sabe cuándo dar vuelta la atención en los buenos músicos que trajo al redil. Será trabajo de Vinson saxo soprano siempre se destacan y, al mismo tiempo la falta de información como solista hace que sea difícil dar crédito a quien crédito merece, ambos trompetistas (Jonathan Powell y Greenblatt Tatum) y trombones (Ryan Keberle y Fahie Mike) son excelentes ya que aportan los sabores naturales en las composiciones de detención de Giraudo. Habilidades únicas de Giraudo en hacer girar un entramado América del ritmo y la creación de colisiones caleidoscópicas de maravilla ayudar a hacer de Córdoba un local vale la pena explorar. ~ Dan Bilawsky




Más información relacionada



Pedro Giraudo Jazz Orchestra – Córdoba (2011)

Temas:
01. Visitas [Visits]
02. Pueblo [Village]- Parte I
03. Pueblo [Village]- Parte II
04. Pueblo [Village]- Parte III
05. Sol Naciente [Sun Rising]
06. Duende del Mate [The Dwarf of the Mate]
07. A la Escuela [The Road to School]
08. Latente [Dormant]

Musicos:
Pedro Giraudo: acoustic and electric basses, compositions & arrangements
Will Vinson: alto sax, soprano sax & flute
Todd Bashore: alto sax & flute
Luke Batson: tenor sax, clarinet & flute
Carl Maraghi: baritone sax & bass clarinet
Jonathan Powell: trumpet
Tatum Greenblatt: trumpet & flugelhorn
Ryan Keberle: trombone
Mike Fahie: trombone
Jess Jurkovic: piano
Jeff Davis: drum set
Tony De Vivo: cajón

sábado, 14 de julio de 2012

Bob Long-Live At The Green Mill




Pianista de jazz y compositor Bob Long ha actuado en los festivales de JVC y el Saratoga en Nueva York, el Festival de Jazz de Telluride en Colorado, dos veces en el Festival de Jazz de Chicago, así como el Festival de Montreux, el Tonder y el norte de festivales de jazz del mar en Europa. Bob se ha mudado recientemente a San Diego, California, dejando a Chicago, donde vivió durante treinta años tocando, produciendo, y la organización de varios grupos. Entre ellos, el cuarteto que codirige con el saxofonista Brian Gephart, el Cuarteto Gephart largo, tiene cuatro CD en la etiqueta de Birch Tree, el último de los cuales es "Play".
Además, Bob también se realiza desde 2002-2006 todos los viernes por la noche en Chicago en el Green Mill con el Cuarteto Molino Verde. El trío de Bob Long tiene un CD en la etiqueta de registro Bodega, "Straight Roads", y Bob tiene dos versiones para piano solo, uno en 2003, titulada "Bird of Aragon" y la más reciente a partir de 2005 llamado "Retratos", tanto en Birch Tree . También habrá un tercer álbum en solitario a principios del próximo año.



Bob Long – Live At The Green Mill (2007)

Temas:
01.El Botellón de los Restos
02.Corners
03.Changing Wheels
04.Atocha
05.Domínguez
06.Arima
07.Theme for Jackie Nava
08.Afro-Madrid
09.Atún

miércoles, 11 de julio de 2012

Luis Diaz-On The Edge





 Más de 30 años de experiencia en el mundo de la música afro-caribeña. Percusionista, Clínico, Instructor y líder de banda. Instructor de percusión latina y el médico de "El Conservatorio de Música de Wisconsin" de 1999 a 2006. Avalador de Cueros Evans, Platos Sabian instrumentos de ritmo y Tecnología. Fundador y Líder de la original de Veneno, Borinbomba y el quinteto de Luis Díaz. Luis ha trabajado con Brian Lynch, David Hazeltine, Melvin Rhyne, Bernstein Pedro, Fudge Berkly, Butts Eddie, John Benítez, Germanson Rick, Ko-Thi Co Danza, el maestro percusionista Duma Saafir, Rumba Maestro Carlos "Quinto" Eguis - Aguila, Jazz la leyenda de Amigos de Montgomery y el legendario compositor cubano / vocalista / percusionista Martí Virgilio. Durante los últimos 10 años, Luis y su Quinteto de haber trabajado con "The Jazz Experience", una organización que agrupa a las escuelas de jazz del área de Milwaukee públicos. Ha realizado seminarios y talleres para "El Conservatorio de Música de Wisconsin" con Dave Mancini y también con David "La Mole" Ortiz. Para los estudiantes de Escuelas Públicas de Milwaukee con el director Ron modelo musical de la Universidad de Northern Illinois, Jazz Orquestra y para la Escuela Superior de Brookfield con Brian Lynch. Otras clínicas incluyen la Universidad de Wisconsin en Milwaukee, de la Universidad de Wisconsin en La Crosse, Universidad Alverno, la Universidad Cardinal Stritch, música Cascio, Milwaukee Tech College y la Galería de percusión en Ponce, Puerto Rico. Luis está jugando con la "Madisalsa" un centro neurálgico de la pieza 15 Madison, WI. También está realizando con los grupos de Jeno Somlai, Jacobson Eric y el nuevo grupo de emocionante "RUMBRAVA" dirigido por Connie Grauer del legendario grupo de la señora diversión.

El Quinteto de Luis Díaz se formó en 1992, a petición del dueño de un club de jazz en Milwaukee para traer un sonido nuevo y refrescante al lugar. Desde entonces hemos trabajado en la mayoría de Jazz de la ciudad y festivales de música. Se nos ha pedido que Oppen para algunas de las mejores industrias de Jazz y bandas latinas. Hemos realizado tintineos y talleres para la Universidad de Wisconsin, el Milwaukee Area Technical College, Las escuelas públicas de Milwaukee, la experiencia de Jazz y Música en las tiendas como Cascio y la campana de bronce.

Los miembros del grupo son Mike Plog en la trompeta y los arreglos, Jim Paolo en el bajo, Dave Bayles en la batería, Steve Einerson en el piano y los arreglos y el líder Luis Díaz en la percusión latina.


Papa flaco


Luis Diaz-On The Edge (1996)
Temas:
01. On The Edge
02. Heat included
03. Ballad For Lynn
04. Safari
05. Skydive
06. When I Fall In Love
07. Palmereris Mood
08. Papa Flaco

Musicos:
Luis Diaz – Congas, Precussion
Mike Plog – Trumpet, Flügelhorn
Rick Germanson – Piano
Jim Paolo – Bass
David Bayles – Drums
Brian Lynch – Trumpet


Información cedida por Mario Enríquez

domingo, 8 de julio de 2012

Sunlightsquare's Heart's Desire + Theme De Yoyo 12" vinyl - PROMO (El deseo del corazón de la Sunlightsquare + Tema De Yoyo vinilo de 12 "- PROMO)


Global Latin-Soul pioneros Sunlightsquare revelar una sorpresa 12 pulgadas de vinilo único para el verano 2012!
Excavando profundamente en su colección de vinilos, el productor Claudio Passavanti selecciona y vuelve a representar (en su firma afrocubana clave) dos de los más emblemáticos rara-surco y de vanguardia canciones de los años 70: el deseo del corazón (Don Blackman) y Tema De Yoyo ( Art Ensemble Of Chicago).

Abarcando un período de apertura ocular de expresión vocal del Inglés al español todo el camino a través de la habanera timba, el deseo del corazón (Lado A) presenta las voces magníficas de Tasita D'Mour (Roy Ayers, Derechos de autor, DJ kawasaky) junto con el sensacional cubano "embajador" de René Álvarez. Viajar por el carril de la experimental es Vanessa Freeman (Bugz en el ático, 4 Hero, Jazz Massive Kyoto) como ella presta su voz de mando sobre el Tema De Yoyo (lado B) para dar una vida nueva e inesperada a esta composición oscura de Lester Bowie. El line-up de músicos en esta impactante producción incluye el legendario baterista cubano Ernesto Simpson (Arturo Sandoval, Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Richard Bona), Bata maestro Giovanni Imparato (Isaac Delgado, Paco de Lucía, Ray Charles), y la parte superior británica el jazz cuerno dúo Quentin Collins y Brandon Allen (Amy Winehouse, Basement Jaxx, Eric Clapton, Mica Paris).
Sunlightsquare es un proyecto con sede en Londres creada por el galardonado pianista, productor y DJ, Claudio Passavanti. En 2010 la versión salsa Sunlightsquare de I Believe In Miracles (de la Central de CD La Habana) se convirtió en un éxito de culto en los círculos de todo el mundo latino, con el apoyo de DJs de la talla de Gilles Peterson, Louie Vega, Jazzie B, Tony Humphries, Joey Negro por nombrar sólo algunos. Larga relación de Claudio con la música afro-cubana se le permite producir varias grabaciones en La Habana, en colaboración con el percusionista Giovanni Imparato. Hoy Records Sunlightsquare liberar varios proyectos, incluyendo el trompetista Quentin Collins y el saxofonista Brandon Allen, un podcast de 10.000 descargas al mes, así como remixes de productores de los sellos discográficos de todo el mundo. Sunlightsquare quinto álbum de Britannia Shing-A-Ling, una grabación de la banda de 25 piezas de estudio en vivo lanzado en 2011, ha sido definida por la música de la BBC como "un triunfo" (www.bbc.co.uk/music/reviews/zg8r). En abril de 2012, Brownswood Recordings una remezcla Sunlightsquare de Agita La Habana de Gilles Peterson Cultura Band, feat. El Micha y Osdalgia. Hoy Claudio es también un reconocido DJ, realizando a menudo en el Ronnie Scotts (Londres), WMC (Miami) y en varios lugares de todo el mundo, así como contribuir a un presentador de Jazz FM (www.jazzfm.com/presenters-and- programas / claudio-Passavanti /).

Producido, arreglado y mezclado por Claudio Passavanti

Grabado @ The Way Studio (Londres). El ingeniero de sonido Lucas mantecoso.
Mezcla @ Sunlightsquare Records.

Lista de canciones:

LADO A: EL CORAZÓN DEL DESEO (Don Blackman - Sony / ATV Music Publishing)
Vocales: Tasita D'Mour, René Alvarez
Batería: Ernesto Simpson
Percusión: Giovanni Imparato
Trompeta: Quentin Collins
Piano, Rodas, Bajo: Claudio Passavanti

LADO B: TEMA DE YOYO (William Lester Bowie Jr, Noreen Beasley, Roscoe Mitchell, Malachi Favors - EMI Music Publishing Ltd)
Vocales: Vanessa Freeman
Batería: Ernesto Simpson
Percusión: Giovanni Imparato
Trompeta: Quentin Collins
Sax: Brandon Allen
Piano, Rodas, Bajo: Claudio Passavanti

Fecha de lanzamiento: 30 de julio 2012




sábado, 7 de julio de 2012

Bill O'Connell-Triple Play Plus Three



Triple Play pianista Bill O'Connell (Savant, 2008) convirtió las nociones tradicionales de la instrumentación de piano trío en su cabeza, y este disco es una consecuencia lógica y la expansión de ese proyecto en particular. Mientras que la salida tuvo una constante de tres hombres line-up que se casó con el piano de O'Connell con la conga baterista / percusionista Richie Flores, el ritmo de trabajo la participación y la flauta muy bien jugando de Dave Valentín, Triple Play Plus Three utiliza punto de Valentin como un asiento caliente que gira. El flautista regresa por tres números, incluyendo una característica suave flauta contralto ("Lake Road") y un enérgico jugueteo dedicado al gran Eddie Palmieri ("Mr. EP"), pero en otro lugar, su posición es asumida por dos de jazz latino por igual elite músicos.
Vibrafonista Dave Samuels y Paquito D'Rivera, quien mantiene su saxofón en su caso aquí y se adhiere al clarinete, se turnan para llenar cargos vacantes de Valentín, y los dos se traen algo fresco y diferente a este formato. Solos Samuels le colocan al frente y centro en la mezcla, pero su ejecución en conjunto se trata de mezclar en la malla musical en general. Ya sea costeando a través de un sin prisas, impar-medidos de blues ("Bill Blues") o la lucha su camino a través de un up-tempo exhibición de su fuerza numérica ("Non-Sense"), Samuels sabe siempre cuándo decir la suya o simplemente dar un paso atrás en las sombras.
D'Rivera dos apariencias no son lo suficiente, pero pintan O'Connell como alguien que cree en la "siempre dejan con ganas de más" forma de pensar. "Sweet Sophie Rose"-el nombre de la hija de O'Connell es un número lleno de vida que se las arregla para mostrar que los tres hombres como solistas, mientras que también destaca la fuerte relación compartida entre ellos como una sola unidad, y su versión de "'Round Midnight" compite con el mejor de ellos.
Mientras que los artistas de la lista A-que ocupan el lugar rotación puede ayudar a llamar la atención sobre este álbum, la conexión entre O'Connell y Flores es realmente en el corazón de este proyecto. Tanto los hombres como ver el ritmo como un lenguaje en sí mismo, en lugar de un sub-texto para la presentación de la melodía, y que no necesitan a una tercera persona para ayudar a que lo prueben. O'Connell y Flores van en ella un mano a mano en lo que puede ser la más rítmica potente "Speak Low", que se ha registrado jamás, y se demuestra que es uno de los temas sobresalientes en el álbum.
Mientras Double Play Plus One At A Time tendría un sido un título más apropiado para este álbum, rizando el rizo más de la matemática borrosa en el título amenaza con desviar la atención de esta maravillosa música, y eso sería una verdadera lástima. ~ Dan Bilawsky

Más información relacionada



Bill O'Connell-Triple Play Plus Three (2011)

Temas:
01.Sweet Sophie Rose
02.Bill's Blues
03.Crazy Samba
04.'Round Midnight
05.Non-Sense
06.Lake Road
07.Cobblestones
08.Speak Low
09.Mr. EP
10.La Playa

Musicos:
Bill O'Connell: piano
Richie Flores: congas
Paquito D' Rivera: clarinet (1, 4)
Dave Samuels: vibraphone (2, 5, 7, 10)
Dave Valentin: flute (3, 9), alto flute (6)


Información cedida por Andres Davila

martes, 3 de julio de 2012

Edgar Abraham – Saturno Latin Jazz Project



Edgar Abraham es un saxofonista, compositor y maestro de dieciséis instrumentos. Además, él es el creador de la incomparable tecnología Hyper-Virtuoso técnica para el saxofón. Su musicalidad inteligente abarca el universo, que van desde composiciones sinfónicas de improvisaciones de jazz de vanguardia.
Sin duda, Edgar es uno de los músicos más prodigiosos y talentosos en el mundo de hoy. Comenzó a tocar el violín a la edad de tres años, apadrinado por su padre, Edgar Marrero, un veterano músico clásico que ha diligentemente le enseñó durante toda la vida de Edgar. A la edad de nueve años, Edgar comenzó a estudiar el saxofón. A los catorce años hizo su debut profesional con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico. Un año más tarde, actuó en una serie de recitales titulados "Virtuoso" en el Teatro Tapia (histórico de San Juan, el teatro colonial), el Museo de Arte de Ponce (que alberga junio Flaming Lord Frederick Leighton), y de Bellas Puerto Rico Centro de las Artes. A los dieciséis años, Edgar estudió bajo la tutela de Eugene Rousseau en Indian Head Arts Center en Wisconsin. Tres años más tarde, se graduó Magna Cum Laude del Conservatorio de Música de Puerto Rico. En 2005, recibió dos nominaciones a los Emmy por su especial de televisión "Abraham Edgar en el Heineken Jazz Fest 2004", que PBS ha demostrado en más de 70 países. En 2007, fue nominado para un Grammy en la categoría de Compositor de Coro Sinfónico. Como artista en solitario, Edgar tiene dieciséis comunicados de prensa, con algunos de los músicos más importantes del mundo, tales como Eddie Gómez, Cheo Feliciano, Dave Valentín, Richie Flores, y Endel Dueño. Excelente dominio de Edgar de dieciséis instrumentos, como se mencionó anteriormente, le ha llevado a actuar como pianista de jazz latino peso pesado de Jerry González, así como jugar timbales para los Gypsy Kings, y el saxofón de El Gran Combo de Puerto Rico, Stomp, Giovanni Hidalgo, Alex Acuña, Néstor Torres, Medina, Jerry, y pesos pesados ??del rap Calle 13. Edgar se ha presentado en una gran variedad de numerosas salas de conciertos, como el Club de Jazz de la incomparable Ronnie Scott en Londres, el Centro de Reichhold en Saint Thomas, y el Heineken Jazz Festival en Puerto Rico. Su catálogo de composiciones incluye más de 200 obras que reflejan su fluidez lingüística sin fin. Como saxofonista clásico, Edgar se ha realizado con el virtuoso pianista Eugene Kohn, el Director Principal Invitado de la antigua Ópera de Bonn y director de la Orquesta Metropolitana de Nueva York. También ha actuado con el Director de la Nueva Orquesta Sinfónica de México, Guillermo Figueroa, quien llevó a cabo suite de Edgar para saxofón y orquesta titulado "Los Diez Mundos". Edgar posee un extenso repertorio, que va de Alexander Glazunov a Claude Debussy, Creston Paul, John Williams, Rimsky Korsakov, Nicolo Paganini, y por supuesto, sus propias composiciones. Su estilo se caracteriza por la improvisación una ampliación exponencial de John Coltrane "hojas de sonido" efecto, posible gracias a su creación, la técnica de la tecnología Hyper-Virtuoso. Esta técnica es una invención incesante melódica, que se caracteriza por un agudo sentido del ritmo y reflejos instantáneos auditivas ese sentido asombroso espejo de Edgar de la audición. Edgar es miembro del Instituto para la Promoción de las Artes Auditivas, un cuerpo docente internacional de músicos y teóricos dedicados a la difusión de metodologías con el fin de facilitar la creación de música para el siglo 21. No es ninguna exageración afirmar que Edgar Abraham es un músico de hoy, y para todas las edades.
Prof. Antonio Quijano
Director del Instituto para la Promoción de las Artes Auditivas
Autor de "El Método secesionista de la enciclopedia de Composición"



Edgar Abraham ha dado a conocer como compositor y saxofonista en el género clásico, tanto asi como en el Jazz. En su última presentación, ha llevado su música  al “Heineken Jazz Fest” y el “Ronnie Scott Jazz Café en Londres.
En el 2007 fue nominado a un Grammy como compositor para Orquesta Sinfónica. En el 2005 recibió dos nominaciones para un premio Emmy por su presentación especial en televisión del “Heineken Jazz Fest” del 2004, el cual trasmitido en mas de 70 paises atravez de “PBS” como:
Paris, Alemania y Reino Unido. El ha grabado 4 álbumes, que incluyen: “All around” (2003), “Wine Sax" (2006), ”The Ten Worlds” (2006), y “Saturno Latin Jazz Project” (2007). Abraham se ha presentado en seis ocasiones con la Orquesta Sinfónifa de Puerto Rico con repertorio de comopósitores como: Alexander Galsounov, Claude Debussy, Paul Creston, John Williams, Rimsky Korsakov, Nicolo Paganini y su propia composición de “Suite for Alto Sax & Strings”.
El en género clásico, uno de sus trabajos mas sobresaliente ha sido “The Ten Worlds”. Es un suite para orquesta y saxofón que consiste de diez movimientos. Como el compositor diria: “el saxofón expresa diez condiciones de vida que cada ser humano experimenta, desde el infierno hasta la illuminación”. Todo esta proyectado con profundas melodias y pasajes de música rapidas con gran dificultad. Como declaración musical, Abraham aspira a difndir una innovación musical dentro del género de la música clásica y el Jazz, para todos los amantes de la música.





Edgar Abraham – Saturno Latin Jazz Project (2009)

Temas:
01.Dame un Beso Deso
02.Gibarox
03.Vodoo Sax
04.Batata
05.El Flaboyán
06.Jangueo Blues
07.Vodoo Sax Live In San Juan PR

Musicos:
Edgar Abraham (Saxofón)
Endel Dueño (Batería)
Antonio Quijano (Bajo)


El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

.

.

Mi lista de blogs